La fotografia oggi non è solo un modo per catturare un momento importante della vita. Grazie alla grande quantità di tecnologia alta classe e programmi speciali, tutti hanno avuto l'opportunità di fare delle riprese il loro hobby. La fotografia artistica come forma d'arte è piuttosto sfaccettata. Anche un principiante sarà in grado di esprimere la propria immaginazione a suo piacimento. In questo caso, ognuno troverà il proprio genere preferito.

Un po' di storia

Oggi, una fotocamera digitale è in ogni casa. Ma cento anni fa, la fotografia era un vero lusso. Pochi sanno che una fotografia normale è un'immagine dipinta con la luce. Una scoperta così unica è avvenuta grazie a diversi scienziati. Prima che la fotografia apparisse nella forma in cui molte persone la conoscono, è stato fatto molto lavoro. La storia della fotografia è interessante ed emozionante.

I tentativi di ottenere fotografie furono registrati già nel XVII secolo. Ma non possono essere definiti di successo. La fotografia artistica risale al 1839. Lo scienziato francese Louis Daguerre è riuscito per la prima volta ad avere un'immagine chiara di una persona. In questo caso, il tempo di esposizione non ha superato un minuto. Da allora la fotografia è stata migliorata molte volte. Oggi abbiamo l'opportunità di creare veri e propri capolavori con il minimo tempo.

Come creare una foto unica?

Tutti possono prendere una macchina fotografica e scattare foto di tutto senza impostazioni precedenti. Allo stesso tempo, è molto probabile che non sarai in grado di ottenere una bella foto. Chi vuole diventare un vero fotografo dovrebbe prima imparare a selezionare correttamente i contenuti della cornice. La luce deve essere selezionata correttamente, l'obiettivo regolato. Queste regole sono le stesse per qualsiasi tecnica, indipendentemente dal fatto che si debba scattare con una vecchia Zenith o con l'ultima fotocamera digitale.

Diventare un fotografo professionista fin dai primi giorni è impossibile. Dovrai scattare un numero enorme di foto prima che nasca un vero capolavoro. A questo proposito, la tecnologia digitale presenta molti vantaggi. Un frame non riuscito può essere cancellato in qualsiasi momento. Ogni fotografo alle prime armi dovrebbe identificare da sé i generi dell'arte della fotografia, a cui presterà attenzione in primo luogo. Per diventare un professionista, non puoi spruzzare. È raro trovare uno specialista che sia esperto in tutti i rami di un particolare campo di attività.

Ritratto

La fotografia di ritratto è nata già quando le persone hanno imparato a scattare le prime foto. Qui, gli artisti hanno cercato di ripetere le immagini della pittura. I primi ritratti erano piuttosto costosi. Solo gli aristocratici potevano permetterseli. Hanno scattato foto sia da soli che con i loro familiari. Alcune vecchie fotografie sono sopravvissute fino ad oggi e sono ora nei musei di tutto il mondo.

Un ritratto non è solo l'immagine di un volto. Se una persona è raffigurata in piena crescita, anche questo è considerato un ritratto. Qualsiasi scuola di fotografia include principalmente questo genere nel suo corso. I modelli possono scattare sia all'aperto che al chiuso. È importante

Il focus principale era sull'individuo. Nessun dettaglio dovrebbe distrarre l'attenzione.

Separatamente, vale la pena notare le riprese in studio. Questo tipo di fotografia di ritratto è relativamente giovane. In precedenza, le stelle venivano fotografate in questo modo per le riviste di moda. Oggi tutti possono accontentarsi con un servizio fotografico in studio. La fotografia artistica in questo caso consiste nella corretta selezione dello sfondo e nell'organizzazione dell'illuminazione.

Natura morta

Questo genere di fotografia si è evoluto anche dalla pittura. Gli artisti hanno raffigurato frutta e verdura splendidamente organizzate nei loro dipinti. L'immagine è stata integrata con bellissimi tessuti e stoviglie. Non appena apparve la prima scuola di fotografia, anche la natura morta iniziò a diventare popolare. Dal francese "nature morte" significa letteralmente " natura inanimata". I fotografi professionisti, come gli artisti, sono in grado di trasmettere magnificamente allo spettatore il significato dell'esistenza di determinati oggetti inanimati.

Per molto tempo, la natura morta è appartenuta a un genere non rivendicato. La tecnica e l'arte della fotografia venivano insegnate nelle scuole solo a scopo informativo. Con lo sviluppo della tecnologia dell'informazione, la natura morta è diventata molto popolare. Con esso, i fotografi affinano le loro capacità professionali. Inoltre, come puoi ricordare un negozio online senza le foto dei prodotti? Dopotutto, l'immagine di un prodotto è una natura morta.

Oggi, la natura morta occupa uno dei primi posti tra tutti i generi. La storia della fotografia ci dice che il potere emotivo delle immagini degli oggetti non era inferiore ai ritratti di prima. Al momento, questa tendenza è persa. Ma senza natura morta, l'esistenza di negozi online sarebbe impossibile.

Paesaggio

Il genere classico che prevede la ripresa della natura si chiama paesaggio. Questo ramo dell'industria della fotografia può essere definito il più emotivo. È dalla natura che ogni aspirante fotografo può trarre ispirazione. E alcune delle immagini sono così sorprendenti che è difficile distogliere lo sguardo da esse.

È difficile per un principiante padroneggiare il paesaggio sin dai primi giorni. Chiunque può scattare foto del paesaggio. Ma il punto non è catturare l'attimo. Lo stato d'animo del fotografo deve essere trasmesso attraverso l'immagine. Il processo per trovare un buon tiro può essere complicato da vari fenomeni naturali. A differenza di uno studio, sole splendente, pioggia o vento forte possono interferire con il lavoro all'aperto. A volte un fotografo deve lavorare per settimane per ottenere uno scatto davvero buono.

Architettura

Come i precedenti generi fotografici, l'architettura è nata quasi subito. C'è una grande somiglianza con il paesaggio. L'unica differenza è che gli oggetti sono vari edifici e strutture. Ci sono anche caratteristiche distintive. Grande attenzione è riservata giusta scelta punti di tiro. È molto vantaggioso affittare un edificio da una collina. Ad esempio, una casa può essere fotografata dal tetto di un'altra.

L'architettura è uno dei generi più complessi. Trovare la giusta posizione è spesso complicato dal traffico e dalle condizioni meteorologiche. Inoltre, non è sempre possibile trasmettere i dettagli attraverso l'obiettivo della fotocamera. L'architettura delle riprese richiede attrezzature costose.

riprese di reportage

Oggi questo genere è abbastanza comune. E le riprese di reportage iniziarono a diventare popolari solo nella seconda metà del XX secolo. Pochi sanno che le immagini di vari eventi e festività sono un reportage.

Si ritiene che il fotografo scatti semplicemente questo o quell'evento. In effetti, la segnalazione è un'opportunità per trasmettere non solo l'essenza di determinate azioni, ma anche l'atteggiamento nei loro confronti. Se consideriamo vari generi di fotografia, il rapporto trasmette in modo più accurato la natura del fotografo, il suo stato emotivo e la sua professionalità. Ad esempio, se viene filmata una protesta, è in potere del fotografo mostrare entrambe le parti in una luce positiva. Una visione obiettiva delle cose è uno dei tratti caratteriali più importanti che un vero fotoreporter dovrebbe avere.

Fotografia domestica o di genere

Trasferimento utilizzando la fotocamera Vita di ogni giorno si riferisce alla fotografia di genere. Molto spesso, le immagini hanno una base documentaria. Le foto di genere sono intrinsecamente molto simili alle foto di reportage. Un professionista deve trasmettere la vita esattamente com'è. L'immagine può mostrare bambini che giocano, una nonna che pulisce il cortile, un mendicante che mendica, ecc.

La differenza tra una foto di genere è la capacità di trasmettere lo stato emotivo non solo del fotografo, ma anche dei soggetti stessi. Nella foto puoi vedere gioia, lacrime, delusione e rabbia. Può essere sia una foto di strada che una ripresa in interni.

Riprese interne

Questo genere di fotografia è oggi indispensabile, sebbene sia piuttosto giovane. Un interno già pronto, creato da un designer professionista, ha il suo carico emotivo. Allo stesso tempo, il compito del fotografo è quello di trasmettere l'idea completamente senza distorsioni. La fotografia di interni è strettamente legata al design. Nessun professionista sarebbe in grado di creare un portfolio del proprio lavoro senza l'aiuto di un fotografo esperto.

L'angolo è molto importante nella fotografia di ritratto. Il punto giusto determina come apparirà la stanza nell'immagine. Inoltre, un elemento ti consente di decorare l'intero spazio. Pertanto, il fotografo dovrebbe prestare particolare attenzione ai dettagli più vantaggiosi degli interni.

Riproduzione

Questo genere di fotografia non è artistico. Nonostante questo, è importante. Ci sono un numero enorme di scanner con diversi specifiche tecniche. Ma il fotografo sarà in grado di trasmettere l'essenza dell'immagine in modo più corretto. Inoltre, molte vecchie immagini richiedono un trattamento speciale. La vernice non deve essere più toccata. La fotografia è la capacità di trasferire accuratamente un'immagine su carta. E alcune immagini sono di così alta qualità che può essere abbastanza difficile distinguere una foto dall'originale.

Fotografia di nudo

Nudo corpo umanoè un argomento popolare delle riprese di oggi. In effetti, questo genere esiste da molto tempo. Tutti sanno che agli artisti piaceva rappresentare le loro donne senza vestiti. Non appena è apparsa la prima fotografia artistica, è nato lo stile Nu. Questo genere ha occupato per molti secoli uno dei posti più importanti.

Molto spesso, l'oggetto della fotografia sono le ragazze. Può essere sia fotografia di strada che fotografia in studio. Un corpo nudo nelle immagini può solo causare emozioni positive. Nessuna rabbia o disgusto.

Lo stile nudo è spesso intrecciato con la fotografia di tutti i giorni. Questi generi di fotografia coesistono perfettamente. Ad esempio, una ragazza nuda può essere raffigurata mentre fa le sue faccende quotidiane o prende il sole sulla spiaggia.

avanguardia

Come in qualsiasi altro ambito della vita, la fotografia può essere affrontata in modo non standard. L'avanguardia è un genere speciale di fotografia. È caratterizzato dall'andare oltre l'estetica generalmente accettata. Per raggiungere i propri obiettivi, il fotografo può utilizzare i mezzi più non standard.

L'avanguardia non ha caratteristiche specifiche, come altri generi di fotografia. Pertanto, la professionalità dell'immagine è spesso abbastanza difficile da rintracciare. Il fotografo può rappresentare una “seconda realtà”, che non è in alcun modo connessa con il mondo reale. In questo caso, il soggetto dello scatto può essere persone, animali, oggetti per la casa e piante. E saranno raffigurati in una forma insolita per gli altri.

macrofotografia

Questo genere è molto popolare tra i fotografi principianti. Implica l'ottenimento di un'immagine a una certa scala. Molti considerano la fotografia macro un'opportunità per scattare foto a una piccola distanza dal soggetto. Ma non è così. Un'immagine di alta qualità può essere ottenuta con obiettivi speciali. La tecnica per trasferire oggetti su larga scala è piuttosto costosa.

La macrofotografia ti consente di catturare la vita di insetti, piccoli animali e microrganismi. Con l'aiuto di un obiettivo costoso, puoi persino fotografare una zanzara o una pulce.

Generi fotografici non standard

Ci sono tipi di riprese che non possono essere definiti generalmente accettati negli ambienti professionali. Prima di tutto, includono un autoritratto. Non un solo fotografo può scattare una buona foto di se stesso. Questo genere è più adatto ai dilettanti. Con lo sviluppo della tecnologia dell'informazione, l'autoritratto iniziò a godere di grande popolarità. Allo stesso tempo, per creare un'immagine, molto spesso usano un normale telefono cellulare.

Puoi anche fotografare paesaggi con il tuo smartphone. Le foto sono buone per un album casalingo. Le immagini professionali di alta qualità dovrebbero essere create utilizzando attrezzature adeguate, che non siano economiche. Tuttavia, è consigliabile iniziare a conoscere la fotografia con una fotocamera SLR semi-professionale dalla categoria di prezzo medio. Tale attrezzatura consente a un fotografo alle prime armi di avere un'idea dei generi della fotografia e di apprendere le basi.

Ministero della Scienza e dell'Istruzione

Università statale di Penza

Saggio sull'estetica sull'argomento:

"La fotografia come arte"

Eseguita:

Studente gr. 07v2

Alekseeva Olga

Aleksandrovna

Penza 2007

Come è nata la fotografia? 3

La fotografia è un'arte? 6

Conclusione. 17

Il misterioso mondo della fotografia...

Come è nata la fotografia?

Il desiderio di preservare la bellezza della vita fugace ha creato una straordinaria forma d'arte: la fotografia.La storia della fotografia è una storia emozionante dell'origine e della realizzazione del sogno di fissare e preservare a lungo termine le immagini dei fenomeni e degli oggetti che ci circondano , una delle fasi più brillanti e turbolente nello sviluppo della moderna tecnologia dell'informazione. È solo guardando indietro al passato della fotografia che si può apprezzare l'enorme influenza che ha avuto sullo sviluppo della fotografia. cultura moderna, Scienze e tecnologia.

La fotografia è un'arte?

Nella fotografia si sono cristallizzate diverse tendenze abbastanza ben definite: etnografico-sociologico, reportage, poster-pubblicità, artistico-costruttivo, decorativo, simbolico-concettuale, impressionistico. Ciascuno di questi ambiti svolge una propria funzione culturale e comunicativa specifica e ben definita. Queste indicazioni non si escludono a vicenda. Lo stesso fotografo, di regola, lavora in molti di essi. È molto importante tenere presente la semifunzionalità della fotografia artistica, in modo che, ad esempio, la sua funzione artistica e costruttiva non escluda quella etnografica e sociologica, e viceversa, affinché la concettualità della fotovisione vada di pari passo con la tradizione nazionale. Come ogni tipo di arte, la fotografia è soggetta alle leggi generali dello sviluppo delle arti, della coscienza e della visione artistica del mondo. Immagine artistica cresce storicamente sulla base della realtà percepita empiricamente e riflette la formazione e lo sviluppo della mediazione culturale e semantica tra l'artista e il mondo esterno.

Conclusione.

In conclusione, vorrei sottolineare che la questione se la fotografia sia arte o meno è forse altrettanto difficile a cui rispondere quanto la domanda sul senso della nostra esistenza. Alcune persone pensano che se ti piace una foto e vorresti non averla scattata, allora è arte. Ma, secondo me, non tutto ciò che ti piace è arte, e viceversa l'arte non dovrebbe sempre piacere. Dopotutto, bellezza e bruttezza, bene e male: queste cose sono inseparabili, quindi dovrebbero ugualmente riempire l'arte. Se vediamo solo la bellezza, non la percepiamo. Il male e la bruttezza sono necessari quanto l'ossigeno ai nostri polmoni. Le persone che sognano la felicità assoluta sono piuttosto sbagliate, non capiscono che se non ci fosse la guerra, non ci sarebbe pace, che non saprebbero della felicità non di un grammo, se non provassero dolore. La vita stessa sarebbe noiosa, perderebbe ogni significato. È molto più interessante vivere in un mondo pieno di opposti che rendono la vita di una persona la più intensa e diversificata.

Aspetti teorici della fotografia come specie arti visive. La storia dello sviluppo della fotografia, la classificazione dei suoi tipi di mezzi espressivi nella fotografia. Uno degli obiettivi della fotografia è trasmettere l'essenza interiore del soggetto della fotografia. Le fotografie sono un deposito di momenti di vita catturati visivamente e fungono da collegamento tra le generazioni.

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Oggi nessuno di noi ne dubita fotografia d'arteè un'arte che riflette la visione creativa del fotografo come artista. Tuttavia, anche agli albori dello sviluppo della fotografia per diversi decenni, c'era una domanda acuta se la fotografia potesse essere attribuita all'arte o semplicemente non fosse altro che un mezzo per catturare e trasmettere informazioni sul mondo che ci circonda.

Per molti anni ci sono voluti la fotografia per conquistare un posto nel mondo dell'arte, insieme a scultura, cinema, pittura e teatro. Ma ora qualsiasi fotografo può esprimere il suo atteggiamento nei confronti del mondo e dei fenomeni attraverso mezzi fotografici come l'angolazione, il colore o la scelta del momento dello scatto.

Quando sono apparse le prime stampe fotografiche, nessuno ha preso sul serio la fotografia. Era considerata solo una semplice coccola e un gioco da ragazzi per una ristretta cerchia di persone. Nei primi anni dopo la sua nascita, la fotografia, per limitazioni tecniche, non poteva vantare né valore documentaristico, né artistico, né libertà di soluzioni illuminotecniche e visione creativa del fotografo.

Nel XIX secolo era opinione diffusa che solo un'opera fatta a mano potesse essere classificata come arte. Di conseguenza, le stampe fotografiche, ottenute con vari metodi fisici e chimici, semplicemente non potevano rivendicare lo status di art. Anche se già la prima generazione di fotografi ha cercato di ravvivare in qualche modo la composizione delle proprie immagini con alcune tecniche e approcci interessanti, tuttavia, la fotografia ha continuato a essere un gingillo divertente agli occhi dell'opinione pubblica.

La fotografia era considerata dai critici dell'epoca solo come una copia meccanica della realtà, capace di essere solo una parvenza di pittura artistica. Fino agli anni '20 e '30, articoli e pubblicazioni hanno preso seriamente in considerazione la questione se la fotografia sia un'arte o sia solo un'abilità applicata e pratica, in cui la tecnica gioca un ruolo chiave e non il fotografo stesso.

Ci sono diversi periodi nello sviluppo della fotografia come arte. Anche agli albori dello sviluppo della fotografia, non era molto diverso dalla pittura, cioè i fotografi cercavano di utilizzare tecniche pittoriche a loro ben note in fotografia. Hanno filmato principalmente oggetti monumentali e immobili. Tali prime stampe fotografiche appartenevano al genere del ritratto o del paesaggio. Inoltre, a causa dell'emergere dell'industria dei giornali nel XIX secolo, la fotografia ha occupato la nicchia di una semplice prova documentaria di determinati eventi. Possiamo dire che a quel tempo non si parlava dell'espressività e dell'arte della fotografia. Quando la fotografia è diventata davvero arte?

Probabilmente alcuni la data esatta non può essere nominato. Ma gli storici della fotografia annotano per se stessi un evento significativo accaduto nel 1856. Quindi lo svedese Oscar G. Reilander ha realizzato una stampa combinata unica da trenta diversi negativi ritoccati. La sua fotografia, intitolata "Due strade della vita", sembrava descrivere un'antica saga sull'ingresso di due giovani nella vita. Uno dei personaggi principali nella foto si rivolge a varie virtù, misericordia, religione e artigianato, mentre l'altro, al contrario, ama il fascino peccaminoso della vita come il gioco d'azzardo, il vino e l'immoralità. Questa fotografia allegorica divenne immediatamente ampiamente nota. E dopo la mostra a Manchester, la stessa regina Vittoria ha acquisito la fotografia di Reilander per la collezione del principe Alberto.

Questa fotografia combinata può essere giustamente attribuita a uno dei primi lavori indipendenti legati alla fotografia. L'approccio creativo di Oscar G. Reilander si basava, ovviamente, sull'educazione di storia dell'arte classica ricevuta all'Accademia Romana. In futuro, al suo nome sono associati vari esperimenti con il fotomontaggio, lo sviluppo della doppia esposizione e la straordinaria fotografia a più esposizioni.

Il lavoro di Reilander è stato continuato dal talentuoso artista e fotografo Henry Peach Robinson, che è diventato famoso per la sua fotografia composita "Leaving", composta da cinque negativi. Questa fotografia artistica era di una ragazza che muore su una sedia, su cui sua sorella e sua madre stanno tristemente, mentre suo padre guarda dentro finestra aperta. L'immagine "Leaving" è stata criticata per aver distorto la verità, ma, tuttavia, ha guadagnato ampia popolarità. Fu immediatamente acquisito dalla corte reale inglese e il principe ereditario diede persino a Robinson un ordine permanente per una stampa di una tale fotografia.

"In partenza". GP Robinson

Lo stesso Robinson divenne il principale esponente della cosiddetta fotografia pittorica in Inghilterra e in Europa. Questa direzione dell'arte fotografica ha occupato una posizione dominante nella fotografia fino al primo decennio del XX secolo. Molti effetti e tecniche pittoriche sono stati utilizzati nella fotografia pittorica.

Devo dire che la fotografia non ha potuto lasciare a lungo l'"ombra" della pittura. Tuttavia, lo sviluppo della fotografia come arte indipendente all'inizio del secolo scorso è stato notevolmente facilitato da mostre periodiche, dove, insieme a semplici scatti belli, gli spettatori potevano anche vedere fotografie interessanti che meritano il titolo di "opera d'arte". Una delle prime mostre internazionali di questo tipo fu la 291 Gallery of Photography, dal nome modesto, aperta da Alfred Stieglitz nel 1905 a New York. Si trattava di una vera e propria mostra d'arte contemporanea, dove i nomi artisti famosi era nella stessa fila con i fotografi.

Con l'inizio degli anni '20 e '30 inizia un nuovo periodo per la fotografia, direttamente legato alla produzione in serie di giornali e riviste. La fotografia cambia stile a favore della fotografia documentaria e di reportage. Realizzazione documentaria e artistica si intrecciano gradualmente nella fotografia in un tutto unico. È apparsa una nuova generazione di fotografi che, attraverso il reportage e la fotografia documentaria, hanno quotidianamente fatto la storia del loro Paese e del mondo intero. In questo periodo l'espressività artistica con una componente ideologica e sociale era strettamente connessa nella fotografia.

La fotografia diventa portatrice di qualche verità storica, riflesso di eventi reali. Non a caso, negli anni '20 e '30, vari poster, album fotografici e riviste avevano un valore particolare. Fu durante questi anni che iniziarono ad apparire comunità e società di artisti fotografici, che cercavano di trasformare la fotografia in una forma d'arte autosufficiente.

Nel nostro Paese, però, questi processi positivi si sono in realtà congelati alla fine degli anni '30. La cortina di ferro ha a lungo isolato la fotografia domestica dalle tendenze della vita artistica internazionale. I talentuosi fotografi sovietici furono costretti a occuparsi solo di reportage fotografici realisti socialisti. Durante la seconda guerra mondiale, molti di loro hanno visitato i fronti di battaglia e hanno potuto catturare su pellicola i momenti memorabili della grande vittoria.

Negli anni '60 e '70, le fotografie furono nuovamente considerate indipendenti opere d'arte. Questa è l'era del fotorealismo e degli audaci esperimenti con varie tecnologie fotografiche e tecniche artistiche. A partire da questo periodo di tempo, tutti i settori della fotografia, che erano alla periferia dell'attenzione del pubblico, hanno finalmente ricevuto il diritto di essere presentati come un valore artistico indipendente nell'arte. Stanno emergendo nuovi generi fotografici, in cui l'intenzione dell'autore e la visione creativa del fotografo diventano il momento chiave. Famosi fotografi di quel tempo nel loro opera d'arte ha iniziato ad affrontare questioni sociali iconiche come la disuguaglianza sociale, la povertà, lo sfruttamento del lavoro minorile e molti altri.

Dobbiamo un'altra rivoluzione nella fotografia al passaggio dalla pellicola alle fotocamere digitali. Il formato dell'immagine digitale ha permesso ai fotografi di allontanarsi in qualche modo dal semplice rispecchiare la realtà che li circonda. Con l'avvento delle fotocamere digitali, dei computer e degli editor grafici, il fotografo ha l'opportunità di trasformare le sue immagini in modo tale che lo spettatore abbia l'opportunità di conoscere la visione creativa del creatore dell'immagine e di immergersi nel suo irreale mondo. Sebbene la fotografia sia diventata oggi un fenomeno di massa, la selettività e una speciale "visione" personale sono ancora importanti per la fotografia come arte, consentendo a una persona di creare una vera opera d'arte utilizzando mezzi fotografici.

Nonostante una fotocamera digitale possa scattare diverse centinaia di foto in pochi minuti, ovviamente, non tutti i fotogrammi possono essere classificati come artistici. Un fotografo moderno esprime la sua visione del mondo o l'intenzione dell'autore attraverso uno scorcio, un sapiente gioco di luci e ombre, una raffinata scelta del momento dello scatto e altre tecniche. Quindi, al centro della fotografia c'è ancora il fotografo, non il tecnico. Solo una persona è in grado di mettere un pezzo di suo nell'immagine. mondo interiore in modo che l'immagine sia "coperta" da nuove emozioni e riveli il talento del fotografo stesso.

Foto art

una sorta di creatività artistica, che si basa sull'uso delle possibilità espressive della fotografia (vedi Fotografia).

Fin dai primi giorni della sua esistenza, i rappresentanti delle belle arti si sono rivolti a un nuovo e insolito mezzo "tecnico" per fissare le immagini. Uno degli inventori della fotografia, L.J.M. Daguerre, era un artista e le prime immagini fotografiche (dagherrotipi) furono create in linea con i generi di ritratto, paesaggio e natura morta tradizionali per la pittura. La prima fotografia imitava apertamente i dipinti; ogni tendenza nelle arti visive del XIX secolo (romanticismo, realismo critico, impressionismo) ha avuto la sua controparte nella fotografia pittorica (cioè pittura imitativa). Gli aderenti al pittorialismo, che divenne noto come fotografia artistica, fecero molto per garantire che l'arte fotografica acquisisse un'alta cultura fine e sentisse il suo legame organico con le arti plastiche. Tali ricerche hanno portato ai risultati più notevoli in un ritratto fotografico. G. F. Nadar in Francia, J. M. Cameron in Gran Bretagna, A. I. Denier e S. L. Levitsky in Russia, ecc. vari effetti di ripresa (illuminazione, ecc.) Per una trasmissione affidabile di tratti della personalità ricreati documentati della persona ritratta.

Se nel genere del ritratto già a metà del XIX secolo. Se si svilupparono possibilità figurative specifiche solo della fotografia, allora le opere di altri generi appartenevano inizialmente interamente alla corrente pittorica. I fotografi-pittoristi, nella maggior parte dei casi in passato pittori e grafici, creavano composizioni molto complesse nel disegno e nell'esecuzione; spesso il fotografo doveva montare l'opera da diversi negativi [ad esempio, la pomposa composizione allegorica "Two Paths of Life" del maestro inglese O. Reilander (1856) era montata da 30 negativi]. Il processo di lavoro su composizioni fotografiche spesso includeva la creazione di schizzi grafici, come è consuetudine quando si creano dipinti.

Parallelamente alle indicazioni di F., che si sviluppò nell'ambiente artificiale dell'atelier, già a partire dagli anni Sessanta dell'Ottocento. si diffuse la tecnica della fotografia naturale. Tuttavia, il paesaggio fotografico fino agli anni '20. sviluppato nello spirito dell'imitazione di un paesaggio pittoresco (francese R. Lamar, belga L. Misson, inglese A. Cayley, russo S.A. Savrasov, ecc.). Proprio come nel genere del ritratto, F. si è diffuso così detto. L'illuminazione di Rembrandt, nel paesaggio fotografico tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. usava i principi della pittura impressionista.

Fotografia naturale etnografica della seconda metà dell'Ottocento. era una specie di quaderno di viaggio: si poneva l'obiettivo di una fissazione affidabile di materiale vitale. I risultati delle prime indagini etnografiche sul campo hanno mostrato la fecondità di questo metodo, perché è servito come base per l'emergere della fotografia di reportage. Le fotografie dei fronti della Crimea 1853-56 (R. Fenton) ebbero un'ampia risposta di pubblico (spesso contrassegnata da una dura veridicità). Guerra civile negli Stati Uniti 1861–65 (MB Brady, A. Gardner), Guerre russo-turche 1877–1878 (A. I. Ivanov, D. N. Nikitin, M. V. Revensky).

Estremamente grande, per certi aspetti decisiva, importanza per la formazione di F. ebbe conquiste tecnico-scientifiche nella fotografia. La scoperta di un metodo per preparare lastre di bromo-gelatina secca (R. Maddox, Gran Bretagna, 1871) permise di abbandonare il cosiddetto. metodo del collodio umido e per produrre materiali fotografici in modo industriale, il che ha notevolmente semplificato il processo di fotografia. Proposta nel 1883 dal russo. fotografo S. A. Yurkovskii, e poi l'otturatore a fessura, migliorato dall'austriaco O. Anschütz, adattato alle brevi esposizioni , permesso di fotografare persone e oggetti in movimento. La creazione da parte di J. Eastman della fotocamera portatile Kodak (USA, 1886–88) diede un nuovo impulso allo sviluppo della fotografia di reportage. Durante la seconda metà del XIX sec. e nel 20° secolo sono stati creati nuovi obiettivi fotografici, sempre più perfetti e diversificati e altri elementi dell'ottica fotografica (ad esempio accessori e obiettivi speciali per la fotografia panoramica). Le opere di L. Ducos du Hauron (Francia, 1868–69), F. Ives (USA, 1881), G. Lipman (Francia, 1891), B. Homolka nel 1907 e R. Fischer nel 1912 (Germania) posero le basi base per la fotografia a colori.

Una tappa importante nella storia di F. è stata la serie di fotografie scattate da più macchine fotografiche da diversi punti di vista (“Galloping Horse”, 1878; “Figure in Motion”, “Jumping Girl” - entrambi 1887) eseguite da E. Muybridge (USA), che ha rivelato in modo straordinario la bellezza della plasticità dei movimenti reali. In gran parte a causa di queste innovazioni nel primo quarto del 20esimo secolo. crescente interesse per l'interpretazione nelle forme F. mondo reale(e non principi figurativi sviluppati in un'altra area dell'arte, cioè nella pittura). Insieme al pittorialismo in F. 1910s. diventa sempre più importante l'arte documentaria (E. Atget in Francia, P. Martin in Gran Bretagna, A. Stiglitz negli USA, MP Dmitriev in Russia, ecc.), in linea con la quale nascono opere dedicate alla prosa della quotidianità urbana o vita contadina, intrisa di ardente simpatia per il "piccolo uomo".

Un ruolo importante nell'evoluzione della fotografia in questa fase è stato svolto dalle tecniche fotografiche strettamente legate ai successi del giornalismo, come le riprese di reportage con una “telecamera nascosta” (vedi Telecamera nascosta) , fotografia a lungo termine (la cosiddetta fotocamera familiare), la creazione di serie di foto (cioè saggi fotografici o un ciclo di fotografie su un argomento). La formazione e lo sviluppo di queste forme di fotografia documentaria è stata in gran parte associata all'avvento della Leika camera, una fotocamera leggera che funzionava su pellicola (inventata dal tedesco O. Barnak nel 1914; la produzione di massa iniziò nel 1925). caratteristico degli anni '20. L'arricchimento delle possibilità della fotografia di reportage e le conquiste della fotografia documentaria hanno contribuito notevolmente al riconoscimento finale del valore estetico indipendente delle immagini fotografiche. L'attenzione è ora rivolta principalmente alla creazione di immagini veritiere che riproducano la vita "nelle forme della vita stessa".

Superando i tratti della contemplazione etnografica o puramente di genere, caratteristici di molte osservazioni sociali nella fotografia documentaria del primo Novecento, i migliori rappresentanti del reportage fotografico straniero degli anni '20 e '30. riuscì a creare immagini generalizzate della decadente democrazia borghese, della sua capitolazione all'imminente fascismo (maestri tedeschi A. Eisenstadt ed E. Zalomon), immagini impressionanti dell'impoverimento delle masse (opere di W. Evans, D. Lange, R. Lee, B. Shahn e altri artigiani che hanno lavorato nei primi anni '30 negli Stati Uniti).

Negli anni '10-'20. è stata svolta un'intensa ricerca sulle possibilità espressive dei materiali fotografici: tra i maestri della fotografia hanno guadagnato popolarità le composizioni (i cosiddetti fotogrammi dell'ungherese L. Moholy-Nagy e i rayogrammi dell'americano Man Ray; A. Renger-Patch in Germania, J. Funke in Cecoslovacchia ecc.), ottenuto senza l'uso di una macchina fotografica con l'ausilio di vari oggetti sovrapposti su carta sensibile e che lasciano segni su di essa sotto l'influenza della luce. Questi esperimenti sono serviti come base per lo sviluppo della fotografia, che ha arricchito l'arsenale di mezzi artistici F.; tuttavia, un deciso rifiuto del principio di rappresentazione aprì la strada all'invasione dei concetti modernisti (vicini al dadaismo e al surrealismo in e altre avanguardie).

Il vero trionfo del documentario F. sono stati i gufi. saggio fotografico degli anni '20 - primi anni '30, nato dalla necessità di una storia specifica sulle grandiose trasformazioni sociali in atto nel Paese. Le composizioni fotografiche degli anni '20, apparse su giornali e riviste (Spark, Soviet Photo, ecc.), occuparono immediatamente un posto di rilievo tra le forme di arte rivoluzionaria in rapido sviluppo. Apertura nei gufi. caratteristiche della realtà che rivelano direttamente il pathos della costruzione socialista, maestri del documentario F. 20-ies. (M. V. Alpert, B. V. Ignatovich, E. I. Langman, A. M. Rodchenko, S. O. Fridlyand, Ya. N. Khalip, A. S. Shaikhet e altri) hanno abilmente utilizzato tecniche innovative per creare espressività fotografica (angoli insoliti, ecc.), Senza trasformarli in una fine in stesso (ad esempio, uno spettacolare punto di ripresa dall'alto ha permesso di trasmettere nella foto la vera portata delle trasformazioni in atto nel paese).

Insieme alla fotografia documentaria, la fotografia in studio si è sviluppata con successo. Il maestro più importante del ritratto fotografico era M. S. Nappelbaum (possiede il primo ritratto fotografico di V. I. Lenin in epoca sovietica; tra gli altri maestri che hanno fotografato Lenin, il posto principale è stato preso da P. A. Otsup). Negli anni 20-30. anche il fotografo ritrattista A. P. Shterenberg, i fotografi paesaggisti N. P. Andreev, Yu. P. Eremin, S. K. Ivanov-Alliluev, K. A. Lishko e A. V. ottica soft-focus e metodi di stampa speciali che consentono di sviluppare nel dettaglio le relazioni tonali.

Rodchenko e L. M. Lissitzky, che hanno arricchito le possibilità artistiche dell'illustrazione di libri, poster e design art, sono stati i creatori della fotografia applicata sovietica (usando spesso la tecnica del fotomontaggio a).

Una nuova fase nello sviluppo dei gufi. il documentario F. divenne un reportage del periodo del Grande Guerra Patriottica 1941–45 Insieme ai maestri della vecchia generazione, D. N. Baltermants, A. S. Garanin, I. E. Ozersky, M. S. Redkin, M. I. Savin, G. Z. Sanko, M. A. Trakhman, E A. Khaldei, IM Shagin, ecc. Utilizzo di fotocamere portatili ("Leika", "FED ”), i giornalisti militari hanno conservato per le generazioni future un'immagine fedele della lotta nazionale contro il fascismo. Alla realizzazione della cronaca fotografica della seconda guerra mondiale del 1939-1945 contribuirono anche giornalisti di altri paesi della coalizione anti-hitleriana (l'americano D. Duncan e altri).

Documentario straniero F. 1950-1970. caratterizzato dal diverso sviluppo della fotografia di genere, solitamente creata a seguito dei viaggi di fotoreporter inviati da grandi agenzie in vari paesi. Tra le immagini documentarie fornite dall'associazione Magnum, le redazioni di riviste illustrate come Life e le agenzie di stampa (United Press International, Associated Press, Reuters, France Press, ecc.), insieme a informazioni fotografiche impersonali pensate per soddisfare i più piccoli gusti, ci sono vere e proprie opere d'arte. I reportage fotografici di guerra di V. Bishof, R. Capa, D. Seymour, creati durante l'aggressione americana in Vietnam e altre guerre degli anni '60, si distinguevano per un brillante orientamento antimilitarista. Fotolibri francesi. I maestri di A. Cartier-Bresson, creati a seguito dei suoi viaggi negli anni Quaranta e Cinquanta, attraggono con la capacità virtuosa dell'autore di penetrare nella natura della vita di popoli diversi attraverso la fotografia documentaria.Kertész, D. Winer , D. Fried e altri Lo sviluppo del cinema documentario nei paesi socialisti è stato caratterizzato da risultati sorprendenti [tra i principali maestri ci sono T. Lehr (RDT), L. Lozhinski (Polonia), E. Pardubski (Cecoslovacchia), L. Almasi (Ungheria), A. Mihailopol (Romania), I. Skrinsky (Bulgaria)].

Fotografia d'arte, che nel XIX - inizio XX secolo. (cioè, al tempo dell'assenza di macchine fotografiche di piccolo formato e soprattutto di materiali fotosensibili, che interferivano con lo sviluppo della fotografia documentaria) sembrava essere la principale e addirittura l'unica via per lo sviluppo della creatività fotografica, nel mezzo del 20° secolo. occupava un posto più modesto nella fotografia moderna.A differenza del fotodocumentalismo, basato sul principio della riproduzione diretta delle impressioni del "flusso della vita", la fotografia d'arte ha continuato ad esistere come una forma speciale di creatività fotografica, in cui l'autore interpreta la natura attraverso la creazione di un ambiente artificiale (studio fotografico) o attraverso vari tipi di trasformazioni di laboratorio (fotomontaggio, fotografia che enfatizza il contrasto in bianco e nero sottostante l'immagine fotografica, Solarizzazione , varie modifiche del processo positivo (vedi Processo positivo), ecc.). Come a cavallo tra il XIX e il XX secolo, la fotografia d'arte si sta sviluppando, riflettendo in modo sensibile le diverse aree dell'arte, comprese molte delle sue tendenze di crisi. P. Brassai in Francia, H. Callaghan, D. Kipis, A. Siskind, A. Weston (tutti dagli USA) e altri, fotografando l'intonaco di vecchi muri, frammenti di manifesti, crepe nell'asfalto, ecc., mentre cambiando scala e consistenza oltre il riconoscimento, crea composizioni nello spirito dell'arte astratta (vedi Arte astratta). Sono caratteristiche di paesaggio fotografico straniero moderno. Le opere dei migliori maestri dell'Europa occidentale e americana sono intrise di pathos umanistico. ritratto fotografico (R. Avedon, Brassai, J. Karsh, E. Steichen, F. Halsman e altri). F. Reuter (Italia), W. Rauch (Germania), E. Hartwig (Polonia) si sono affermati come maestri della fotografia.

Negli anni '70 l'influenza delle forme fotografiche della visione artistica sulla pittura e sulla grafica aumentò enormemente, il che portò all'emergere di vari tipi cosiddetto. iperrealismo (i cui rappresentanti imitano F., sperando di trovare una via d'uscita dall'impasse delle ultime tendenze moderniste).

La fase moderna nello sviluppo dei gufi. Il cinema documentario (iniziato nei primi anni del dopoguerra) è caratterizzato da una particolare varietà di forme di genere e modi creativi. La comparsa di nuove apparecchiature contribuisce alla specializzazione di molti maestri nel campo di determinati argomenti e aree della fotografia. Il costante interesse per i temi della musica (O. V. Makarov), del balletto (E. P. Umnov), del teatro drammatico (A. S. Garanin), dello sport (I. P. Utkin, V. S. Shandrin), dell'aviazione (V M. Lebedev) consente agli autori di raggiungere grande profondità nella divulgazione figurativa di materiale vitale; il tema della memoria degli eroi della Grande Guerra Patriottica è interpretato in modo impressionante dai fotografi che sono passati lungo le sue strade (M. P. Ananyin, V. M. Mastyukov). Creazione della Novosti Press Agency (Vedi Novosti Press Agency) (APN), attività cinegiornali TASS, edizione un largo numero riviste illustrate ("Spark", "Unione Sovietica" , "Cambiamento", "Schermo sovietico", ecc.) ha ampliato la "geografia" del reportage fotografico sovietico (V. A. Gende-Rote, G. A. Koposov, V. S. Reznikov, V. S. Tarasevich, L. N. Sherstennikov e così via). Nelle immagini della fotografia documentaria (soprattutto nei grandi generi fotografici, come i saggi fotografici), sempre più spesso compaiono non solo eventi, ma anche singole persone, interpretate con una profonda penetrazione nella loro psicologia individuale. La moderna fotografia documentaria sovietica è caratterizzata dal fiorire del cosiddetto. ritratto di reportage, in cui una persona non viene ripresa condizioni speciali studio fotografico, ma in travaglio, per le strade della città, a casa. Dal 1969 (in connessione con la creazione della casa editrice Planet) si sta sviluppando un nuovo genere di gufi. documentario F. [creazione di libri fotografici - annuari ("Photo-70", ecc.), almanacchi regionali (" Aurora boreale”, 1974, ecc.), pubblicazioni dell'autore]. Tra scuole nazionali gufi. documentario F., che ha finalmente preso forma negli anni '60-'70, uno dei posti principali è occupato dal lituano (A. Kunchius, A. Maciyauskas, A. Sutkus e altri).

Nel campo della fotografia d'arte sovietica negli anni 50-70. V. A. Malyshev (ritratto fotografico a colori), A. Kochar, R. L. Baran (che usa vari effetti di stampa per accentuare i lineamenti della persona ritratta), i fotografi paesaggisti A. M. Perevoshchikov e utilizzando con successo le possibilità del colore A. G. Bushkin, V. E. Gippenreiter , LL Sievert, NF Kozlovsky. Metodi di fotomontaggio, fotografia, combinazione negativo-positivo, stampa mediante filtri colorati e maschere sono stati sviluppati da L. Balodis, V. S. Butyrin, R. Dikhavicius, P. Karpavicius, P. Tooming e altri. fotografia applicata, che ha attirato l'attenzione di molti artisti fotografici (V. F. Plotnikova e altri).

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AS Vartanov.