Scuola di compositori di Vienna. L'Austria musicale

09.01.2021

(tedesco Wiener Klassik) - una direzione creativa che si è sviluppata in Austria nel 2° tempo. 18mo secolo - 1° quarto del 19° secolo. Ne fanno parte tre grandi compositori: J. Haydn, W. A. Mozart e L. Beethoven. Ognuno di loro aveva una brillante creatività. individualità, che determinava sia il carattere generale della musica, sia la scelta dei generi, sia le caratteristiche delle muse. linguaggio. Quindi, nella musica di Haydn predominano stati d'animo luminosi e gioiosi, gli elementi di genere giocano un ruolo di primo piano; Spicca in particolare il carattere lirico-drammatico di Mozart. Inizio; La caratteristica dominante della musica di Beethoven è l'eroismo. pathos di lotta, di vittoria, di vittoria. Haydn ha scritto in una varietà di generi, ma il più significativo. contribuito al campo di istr. musica e oratorio ("Creation of the World", "Seasons"); nell'opera di Mozart, che arricchì e instr. la musica, il posto più importante appartiene all'opera; Beethoven, creatore di unità. opera "Fidelio", alla quale lavorò per molti anni, per la natura del suo talento gravitava verso l'instr. musica. Nonostante tutta la loro originalità individuale, i tratti comuni più importanti si trovano nel lavoro di questi artisti: realismo, ottimismo, carattere che afferma la vita, orientamento umanistico, genuina nazionalità, democrazia. Opere dei compositori V. k. sh. distingue l'ampiezza della copertura dei contenuti della vita. La profonda serietà è organicamente combinata in loro con l'allegria, lo scherzo, la tragedia. inizio - con un fumetto. L'emotivo si connette con il razionale; volo libero della fantasia - con calcolo preciso, massima armonia, chiarezza, perfezione della forma. I rappresentanti di V. a. sh. hanno saputo esprimere anche i contenuti più complessi in un linguaggio estremamente semplice e comprensibile.
V.k.sh. come l'art. la direzione si è evoluta mentre ti muovi verso la creatività. maturità dei suoi alti rappresentanti - Haydn e Mozart. E già l'opera del compianto Beethoven supera i limiti tipici dell'intera V. a. sh. stile. Pertanto, alcuni ricercatori (G. Abert) limitano il periodo di V. a. sh. 1782-1812, anche se l'attività creativa di Haydn e Mozart iniziò diversi decenni prima, e il più giovane dei rappresentanti del V.k.sh., Beethoven, continuò a lavorare fino al 1827.
Formazione di V. a. sh. cade negli anni di rapido sviluppo di esso. e austriaco illuminazione. Sta vivendo il suo periodo di massimo splendore. poesia; emerge l'arte. critica, raggiunge un alto sviluppo della filosofia. I maggiori artisti e pensatori dell'epoca - Herder, Goethe, Schiller, Lessing, Kant, Hegel - propongono una nuova umanistica. ideali. I migliori rappresentanti di esso. e austriaco le culture assorbono anche avanzate socio-politiche, etiche. ed estetico Idee francesi. borghese illuministi. Molti della loro estetica gli ideali, in particolare lo slogan di libertà e naturalezza proclamato da Rousseau, sono stati incarnati nell'opera dei compositori di V. k. sh. Il lavoro di Beethoven è stato indelebilmente influenzato dalle idee dei Grandi Francesi. rivoluzione.
Compositori V. k. sh. ereditato le conquiste del cosiddetto. prima scuola viennese, i cui rappresentanti più importanti furono G. X. Wagenseil (1715-77), G. M. Monn (1717-50), G. Muffat (1690-1770), J. Starzer (1726-87). Tuttavia, la musica le origini di V. k. sh. non sono ridotti al vero e proprio austriaco. art-wu - sono molto più ampi. Tra questi c'è l'italiano. opera, che è stata a lungo coltivata a Vienna, e italiana. istr. musica. Mozart ha incontrato l'italiano. musica non solo a Vienna, ma anche nella stessa Italia, che visitò nel 1771 e nel 1772-73. Un ruolo importante nella formazione di V. a. sh. appartiene alla scuola di Mannheim che si è sviluppata in Baviera; includeva eminenti cechi. musicisti J. Stamitz (1717-57), F. K. Richter (1709-89), K. Kannabich (1731-98) e altri. Anche l'opera di J. S. Bach (1685-1750), dei suoi figli Carl Philipp Emanuel (1714-88) e Johann Christoph (1732-95), nonché di G. F. Handel (1685-1759) ebbe un ruolo. Diretto Il predecessore di V. a.sh. era KV Gluck (1714-87). Iniziò la sua riforma operistica a Vienna (1750-72) e nelle sue opere parigine rimase largamente fedele alla tradizione viennese. Gluck ha creato un'opera d'arte di importanza mondiale, che ha influenzato l'intero sviluppo successivo dell'Europa. opere. I tratti di "Glukov-sky" si riflettono chiaramente in "Idomeneo" e "Don Giovanni" di Mozart, nelle aperture all'opera "Fidelio" e negli oratori di Beethoven. Il lavoro di Haydn fu influenzato anche dalla musica dell'Inghilterra, che visitò nel 1791-92 e nel 1794-95.
Tra le muse più importanti. le origini di V. a. sh. - Nar. musica. La popolazione dell'Austria era multinazionale - nella sua composizione, oltre agli austriaci. I tedeschi includevano anche cechi, ungheresi, sloveni, che avevano il loro letto originale. musica cultura. Le persone si sono incontrate a Vienna. musicisti di tutte queste nazionalità. Compositori V. k. sh. assorbito elementi della loro arte, to-rye formò nel loro lavoro un caratteristico austriaco. "lega". Più direttamente nar. Haydn ha implementato melodie nelle sue composizioni. Mozart ricorreva raramente all'uso di autentiche cuccette. melodie, ma ne assimilarono profondamente il carattere e lo spirito; molti dei temi originali da lui creati sono vicini a quelli di Nar. Tedesco e austriaco canzone (ad esempio, nelle opere "Il flauto magico", "Don Giovanni"). Grande interesse per Nar. Beethoven ha mostrato la canzone. Hanno effettuato numerose lavorazioni di cuccette. le canzoni differiscono nazionalità. Il lavoro dei compositori V. k. sh. era strettamente associato alla musica quotidiana viennese. Lo dimostrano i divertissement, le serenate, le cassazioni create da Haydn e Mozart, le marce e le danze scritte da Beethoven.
Compositori V. k. sh. essenzialmente riassumeva l'intera precedente esperienza della world music. arte. Su questa base e mantenendo il ruolo di primo piano del tedesco. e austriaco nat. elemento, hanno sviluppato un linguaggio veramente universale. "La mia lingua è compresa in tutto il mondo", ha scritto Haydn, e così è stato in realtà. Compositori V. k. sh. realizzò le aspirazioni dei pensatori avanzati e dei musicisti dell'epoca - Herder, che considerava la musica come "l'arte dell'umanità", Gluck, che ammise che gli sarebbe piaciuto scrivere musica comprensibile a tutte le persone.
Muse. la lingua dei compositori V. k. sh. caratterizzato da semplicità, chiarezza, espressività. Rispetto alla musica del preclassico e del primo classico. periodi, il loro ritmo è più naturale, rilassato, vario e caratteristico. Una delle novità importanti delle muse. la lingua dei rappresentanti di V. a. sh. - una chiara articolazione della musica. tessuti in costruzioni relativamente corte, una specie di "cellule espresse", "grani", corrispondenti a un unico principio strutturale. A questo proposito, il sostegno ai compositori di V. k. sh. servito come persone canti e balli con il loro principio caratteristico di associazione strutturale di un numero pari di misure: due, quattro, otto, ecc. Di particolare importanza nell'opera dei classici viennesi è il periodo di otto battute, che si scompone in due frasi simili di quattro battute (queste ultime, a loro volta, sono divise in due battute).
V.k.sh. ha portato con sé un enorme arricchimento di armonia. Se i predecessori di V. a.sh. utilizzava principalmente gli accordi delle tre basi. funzioni, rappresentanti di V. a. sh. anche altre consonanze dei sistemi maggiore e minore sono ampiamente utilizzate, il che segna il ritorno a nuova fase alla ricchezza dell'armonia. la lingua di G. F. Handel - J. S. Bach. Usano più liberamente le dissonanze, i cromatismi. L'arte della modulazione raggiunge tra loro un alto livello di sviluppo. Usano anche cromatico, enarmonico. modulazione; armonie inaspettate. Le "svolte" sono particolarmente frequenti nel compianto Haydn e Mozart. Sebbene i rappresentanti di V. k. sh., così come i compositori pre-classici. periodo, dai la preferenza alle chiavi principali, la gamma di chiavi che usano viene notevolmente ampliata. Insieme alla caratteristica l'interpretazione di ogni singola tonalità è padroneggiata per esprimere. e possibilità di costruzione di forme di tonalità abbinate.
Basandosi sulla ricchezza dell'arte del canto popolare, i rappresentanti di V. k. sh. giunse a una nuova comprensione della melodia, delle sue funzioni e possibilità. È con il periodo da V. a. sh. l'affermazione delle muse è collegata. temi non solo come portatori di una certa espressività, ma anche come arte. un'immagine che contiene un ricco potenziale di sviluppo.
In procinto di diventare V. a. sh. caratteristica, individualità, espressività della melodica originale. costruzione, i temi sono di grande importanza. Il suo "aspetto" dalle prime battute determina ora il "volto" dell'opera. In accordo con il magazzino delle canzoni, il tema nelle opere dei compositori V. k. sh. il più delle volte indicato sotto forma di un punto arrotondato. Nonostante tutto il laconismo di una tale struttura, il tema risulta spesso internamente complesso, poiché di solito consiste in una serie di motivi individuali, opposti ed equilibranti.
Per questo il classico musica il tema è in grado di svilupparsi intensamente, essendo soggetto a scomposizione. trasformazioni, ma senza perdere la maggior parte delle creature. caratteristiche che consentono all'ascoltatore di "riconoscerlo" anche in una forma fortemente modificata. Compositori V. k. sh. raggiunto la più alta competenza nel campo della tematica. sviluppo, sviluppo, utilizzo di una varietà di tecniche: cambio di tonalità, armonizzazione, ritmo, elementi melodici, ecc. Ma è particolarmente caratteristico per loro dividere l'argomento in parti separate. motivi, segale stessi sono decomposti. trasformazioni e si combinano tra loro in modi diversi. Pertanto, il "seme" dello sviluppo a volte non è l'intero argomento, ma solo il suo motivo. Tuttavia, grazie alla logica, alla determinazione dello sviluppo (soprattutto nelle opere di Beethoven), l'ascoltatore ha spesso l'impressione che tutto "incorpori" in questa tematica. Il nucleo si sviluppa "da solo" come organismo vivente. Haydn e Beethoven spesso costruiscono parti intere sulla base di pochi motivi, il che, tra l'altro, assicura l'unità e l'integrità delle composizioni. Mozart con la sua melodica solitamente più "dispendioso" per ingegno, ma apprezzava anche il modo "motivato" allo sviluppo, avendolo studiato dagli scritti di Haydn, pioniere in questo campo.
Il principale e più caratteristico per V. a. sh. musica la forma è la sonata allegro. Sebbene la sua formazione sia iniziata significa. in precedenza, erano i compositori di V. k. sh. diede un contributo decisivo alla formazione della sonata allegra e ne creò un vero classico. il tipo di questo modulo. Il principio guida della sonata allegro che hanno creato è il contrasto e il suo successivo ammorbidimento, portando all'unità (vedi forma della Sonata).
Sonata Allegro dei compositori V.k.sh. è la "pietra angolare" di multipart instr. le forme. Nel loro lavoro c'è un classico. tipo di sonata-sinfonia in quattro parti. ciclo - con una seconda parte lirica lenta, un minuetto o uno scherzo come terza parte e un finale vivace, spesso rondò.
Questo ciclo è alla base di tutti i principali instr. opere di compositori V. k. sh. - sinfonie, formazioni cameristiche varie intitolate alla loro composizione (trio, quartetto, quintetto, ecc.), sonate per strumenti solisti e con accompagnamento. Solo classico. il concerto è costruito come un ciclo di tre movimenti: manca un minuetto e uno scherzo. In caso contrario, le deviazioni dallo schema di cui sopra sono rare.
Sonata-sinfonia. il ciclo, che è una combinazione di parti logicamente coerente ed espediente, è servito come base per le più alte conquiste dei compositori del V. k. sh. nel campo dell'istruz. musica. In questi grandi instr. scritti che esprimono un grande contenuto vitale, sono saliti a il livello più alto generalizzazione artistica. In molte composizioni strumentali mature di Haydn, Mozart e Beethoven, un unico concetto ideologico determina anche le connessioni tematiche tra le singole parti.
Potente sviluppo instr. musica nell'opera dei compositori V. k. sh. è strettamente connesso con lo sviluppo di strumenti, si esibirà. ensemble e associazioni. La più alta associazione di questo tipo era la sinfonia. orchestra, formatasi proprio in questo periodo. La composizione del cosiddetto. sinfonia classica (piccola). l'orchestra è stata costituita al 2° piano. 18mo secolo nell'opera di J. Haydn. Nessuno degli strumenti inclusi nel classico. l'orchestra non era nuova; tuttavia, le loro funzioni sono cambiate. La composizione dell'orchestra nel suo insieme si è stabilizzata. Il posto di primo piano nell'orchestra era occupato dal violino e dagli strumenti della sua famiglia (quintetto con archi), il clarinetto e il corno entrarono nel gruppo di fiati come membri uguali. Il trombone è entrato nella sinfonia. orchestra solo dalla 5a sinfonia di Beethoven. Con un gruppo abbastanza ampio di strumenti ad arco (da 24 a 30 violini, 10-20 altri strumenti ad arco), si è costituita una composizione accoppiata di legno (tranne il flauto) e ottoni (3-4 corni sono stati coinvolti solo in via eccezionale ); i tamburi erano costantemente utilizzati timpani. Tutti gli strumenti sono stati utilizzati nel modo più naturale. volumi e registri. Brass che si è esibito prima aiuterà. le funzioni divennero indipendenti. gruppo con caratteristiche timbriche.
Novità nel campo della camera-instr. gli ensemble è stato il rafforzamento della loro composizione: le precedenti diverse associazioni sono state sostituite da composizioni stabili di archi e pianoforte rigorosamente regolamentate. trio, archi. quartetto, quintetto, duetto Ph.D. strumento e fp.
Tra gli strumenti solisti, il pianoforte acquisì un'importanza fondamentale, sostituendo gradualmente il clavicordo e il clavicembalo (chambalo). L'interpretazione stessa del pianoforte è cambiata: la trasparenza, il suono da camera caratteristico delle opere di Mozart e Haydn è stato sostituito dal suono "orchestrale" delle opere di Beethoven.
Nel campo dell'opera, i successi di Mozart e Beethoven sono particolarmente significativi (Haydn prestava meno attenzione all'opera). Nuove forme operistiche si svilupparono nell'opera mozartiana con grande gradualità, basate sull'assimilazione dell'esperienza dei predecessori (l'opera seria e l'opera buffa italiana, in particolare le sue varietà tardo napoletane, il tedesco Singspiel, le opere "riformiste" di Gluck). Tre delle opere più significative di Mozart - "Le nozze di Figaro", "Don Giovanni" e "Il flauto magico" - gettarono le basi per la decomp. tipi classici. opere - realistiche. commedia, caratterizzata da acuti filosofici e psicologici. conflitto, commedia-dramma ("Dramma giocosa", come lo stesso Mozart chiamava "Don Giovanni") e poetico nar. musica fiabe. Queste opere si distinguono per un profondo realismo, una sottile individualità. delineazione di personaggi che agiscono in relazioni complesse, musica genuina. drammaturgia, permeante l'intera azione, organica. una combinazione di vari principi apparentemente opposti: serio, sublime e allegro, comico. Sebbene le prime due di queste opere siano state scritte in italiano. libretto, erano indirizzati agli austriaci. e tedesco. ascoltatore e ha costituito le fasi più importanti del suo sviluppo. nat. opere. Beethoven nel suo "Fidelio" ha creato una sorta di sublime eroismo rivoluzionario. opera, generalizzando e ripensando l'esperienza di Gluck e l'"opera di salvezza" del tempo dei Grandi Francesi. rivoluzione.
La pietra miliare più brillante nello sviluppo del genere dell'oratorio furono gli oratori di Haydn La creazione del mondo e Le stagioni, che coronarono il suo lavoro. Combinando elementi degli oratori, dell'opera, del singspiel, del canto, della musica sacra e della sinfonia di Händel, Haydn ha creato opere profondamente impressionanti che combinano il significato del contenuto con la semplicità e l'accessibilità del linguaggio musicale.
Presentato nelle opere dei compositori V. k. sh. generi ecclesiastici. musica, senza mutare esteriormente, ripensata “dall'interno”. Haydn, Mozart e Beethoven saziarono le loro muse. immagini di eccezionale luminosità e profondità (Requiem di Mozart); dalle opere della Chiesa. vita quotidiana, sono diventati un tipo speciale di wok da concerto.-instr. musica (Messa di Beethoven in do-dur e Messa solenne in re-dura).
Il lavoro dei compositori V. k. sh. è uno degli apici della world music. causa. Ebbe un'influenza indelebile sull'intero sviluppo successivo delle muse. causa. La luminosità e la profondità delle tematiche, la logica e la finalità dello sviluppo, il rigore e allo stesso tempo la spiritualità e la libertà delle forme nelle opere dei compositori di V. k. sh. resta ancora un esempio insuperabile.
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Lo stile artistico del classicismo (dal latino classicus - "esemplare") sorse nel XVII secolo in Francia. Sulla base delle idee di regolarità, razionalità dell'ordine mondiale, i maestri di questo stile hanno cercato forme chiare e rigorose, modelli armoniosi e l'incarnazione di alti ideali morali. Consideravano le opere d'arte antica come i più alti e insuperabili esempi di creatività artistica, quindi svilupparono trame e immagini antiche. Il classicismo si oppose per molti versi al barocco con la sua passione, volatilità, incoerenza, affermando i suoi principi in vari tipi di arte, compresa la musica.Nell'opera del 18° secolo. il classicismo è rappresentato dalle opere di Christoph Willibald Gluck, che ha creato una nuova interpretazione di questo tipo di arte musicale e drammatica. L'apice nello sviluppo del classicismo musicale è stato il lavoro di Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven, che hanno lavorato principalmente a Vienna e hanno formato la direzione nella cultura musicale della seconda metà del XVIII - inizio XIX secolo - i viennesi scala classica Il classicismo nella musica non è per molti versi simile al classicismo nella letteratura, nel teatro o nella pittura. Nella musica è impossibile fare affidamento su tradizioni antiche: sono quasi sconosciute. Inoltre, il contenuto delle composizioni musicali è spesso associato al mondo dei sentimenti umani, che non sono suscettibili di uno stretto controllo della mente. Tuttavia, i compositori della scuola viennese hanno creato un sistema di regole molto armonioso e logico per la costruzione di un'opera. Grazie a un tale sistema, i sentimenti più complessi sono stati rivestiti in una forma chiara e perfetta. La sofferenza e la gioia divennero per il compositore oggetto di riflessione, non di esperienza. E se in altri tipi di arte le leggi della classicità già all'inizio dell'Ottocento. sembrava a molti superato, poi nella musica il sistema di generi, forme e regole di armonia sviluppato dalla scuola viennese conserva ancora oggi il suo significato.

CHRISTOPHE WILLIBALD GLUCK (1714-1787)

Dalla metà del 18° secolo, il classicismo iniziò a influenzare lo sviluppo della cultura musicale europea. Un'opera d'arte doveva essere creata secondo regole rigide e risolvere problemi morali elevati. L'operaseria e l'operabuffa italiana non soddisfacevano questi requisiti. L'aspetto dell'opera, basato sui principi artistici del classicismo, è associato all'opera di Christoph Willibald Gluck.

Il compositore è nato nella città austriaca di Erasbach (vicino al confine con la Repubblica Ceca) nella famiglia di un guardaboschi. Ha ricevuto la sua educazione musicale a Praga. cantò nel coro della chiesa, studiò teoria sotto la guida di famosi musicisti cechi. Più tardi, già a Milano, Gluck conobbe la musica italiana. Qui ha preso lezioni da famoso compositore e l'organista Giovanni Battista Sammartini (1700-1775 circa); fu Sammartini a insegnargli a padroneggiare brillantemente l'orchestra. In Italia, Gluck compose le sue prime opere (sono state scritte nel genere dell'opera seria). Durante il suo soggiorno a Londra (1745), Gluck incontrò Händel e la musica del maestro tedesco gli fece una grande impressione. Come parte della compagnia d'opera, il compositore ha visitato molte città europee. Infine, nel 1752, si stabilì a Vienna, e nel 1754 ricevette la carica di compositore di corte. A quel tempo Gluck era l'autore opere famose, aveva esperienza nel teatro, conosceva profondamente le tradizioni operistiche italiana, francese e tedesca. A poco a poco, il compositore giunse alla conclusione che l'opera doveva essere cambiata. Le prime opere create secondo le nuove regole furono Orfeo ed Euridice (1762), Alceste (1767), Parigi ed Elena (1770). Gluck li scrisse sui testi del poeta e drammaturgo italiano Ranieri da Calzabigi (1714-1795). Questo è stato il primo esempio di collaborazione tra il compositore di musica e il librettista nel processo di creazione di un'opera. In precedenza, i compositori scrivevano musica su libretti già pronti e pubblicati separatamente. Le opinioni di Gluck e Calzabidgi sulla trama e lo sviluppo dell'azione hanno coinciso, il che ha reso fruttuosa la loro unione creativa.

Per le opere, Gluck, di regola, sceglieva trame antiche in cui veniva cantata un'impresa in nome dell'amore e dell'adempimento del dovere. I protagonisti delle sue opere erano figure simboliche generalizzate, personificanti concetti morali - amore, lealtà, abnegazione, ecc. Nella drammaturgia dell'opera è chiaramente espresso il legame con le tradizioni del teatro antico - il numero di personaggi è minimo , quanto sta accadendo viene commentato dal coro. Il compositore ha prestato la massima attenzione alla parola. Ha cercato di garantire che la musica esprimesse accuratamente lo spirito e l'atmosfera del testo poetico. I recitativi svolgono un ruolo importante nelle opere di Gluck; suonano sempre all'accompagnamento dell'orchestra (in contrasto con i recitativi secco - opez-seria, che erano accompagnati da un clavicembalo). La linea melodica principale è eseguita in arie; il compositore abbandonò le tecniche e gli abbellimenti virtuosistici che distraevano gli ascoltatori dal contenuto del testo. Il ruolo dell'orchestra aumentò: le idee principali erano già delineate nell'ouverture.Le opere del compositore furono riconosciute a Vienna, ma il maestro sperava di trovare una comprensione completa nella capitale della Francia e nel 1773 si recò a Parigi. Per la scena francese, Gluck ha creato nuove edizioni di Orfeo ed Euridice e Alceste, ha scritto opere come Ifigenia in Aulis (1774; basato sulla tragedia del poeta e drammaturgo francese Jean Racine) e Ifigenia in Tauris (1779). .; basato sulla tragedia dell'antico drammaturgo greco Euripide). Le opere di Gluck, che ebbero grande successo a Parigi, suscitarono tuttavia aspre polemiche. La società era divisa in sostenitori di Gluck e dei suoi feroci oppositori. Il compositore è stato sostenuto da scrittori e filosofi Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau. Tuttavia, molti si sono opposti alle innovazioni: hanno difeso i principi tradizionali dell'opera francese nello spirito di Lully e Rameau e della serie lirica italiana. Gli oppositori di Gluck convocarono persino il famoso compositore italiano Niccolò Piccinni a Parigi nel 1776 e misero in scena le sue opere. Divampa la cosiddetta "guerra di glitchists e picchinnists", che ha causato molte polemiche nella società parigina. Nelle opere di Gluck, è stato attratto dalla chiarezza dello sviluppo drammatico, dall'integrità delle immagini, dal rigore classico e dall'espressività della musica, dalla naturalezza e dalla bellezza delle melodie e dalla nobiltà dei sentimenti dei personaggi. I principi creativi del compositore guadagnarono molti aderenti, ma nessuno di loro possedeva lo stesso brillante talento, quindi l'esperienza del maestro viennese può essere considerata unica e non avente una continuazione diretta. Tuttavia, molti musicisti, in particolare il compositore tedesco Richard Wagner, si sono rivolti all'idea del ruolo principale del testo poetico.

JOSEPH HAYDN (1732-1809)

Sulla musica di Joseph Haydn - uno dei fondatori della scuola classica viennese - il suo amico e più giovane contemporaneo Wolfgang Amadeus Mozart ha scritto: Haydn è in grado di farlo". All'opera di Haydn è associata la fioritura di generi come la sinfonia (ne ha centoquattro, senza contare quelli perduti), il quartetto d'archi (ottantatrè), la sonata per clavicembalo (cinquantadue); il compositore prestò grande attenzione ai concerti per vari strumenti, alle formazioni cameristiche e alla musica sacra.

Nel 1761 Haydn entrò al servizio dei ricchi principi ungheresi Esterhazy e trascorse quasi trent'anni alla loro corte come compositore e capo della cappella. Nel 1790 la cappella fu sciolta, ma Haydn mantenne il suo stipendio e la carica di capobanda. Ciò diede al maestro l'opportunità di stabilirsi a Vienna, viaggiare e tenere concerti. Negli anni '90 Haydn visse e lavorò fruttuosamente a Londra per molto tempo. Ha guadagnato fama europea, il suo lavoro è stato apprezzato dai suoi contemporanei: il compositore è diventato proprietario di molti titoli e lauree honoris causa. Joseph Haydn è spesso chiamato il "padre" della sinfonia. Fu nel suo lavoro che la sinfonia divenne il genere principale della musica strumentale.

Nelle sinfonie di Haydn, lo sviluppo dei temi principali è interessante. Eseguendo la melodia in diverse chiavi e registri, dandole questo o quell'atmosfera, il compositore scopre così le sue possibilità nascoste, rivela contraddizioni interne: la melodia o si trasforma o ritorna al suo stato originale. Haydn aveva un sottile senso dell'umorismo e questo tratto della personalità si rifletteva nella sua musica. In molte sinfonie il ritmo del terzo movimento - il minuetto - è rochito ponderoso, come se l'autore cercasse di ritrarre i goffi tentativi di un popolano di ripetere i movimenti eleganti di una danza galante. La novantaquattresima sinfonia (1791) è spiritosa. A metà della seconda parte, quando la musica suona calma e calma, si sentono improvvisamente i battiti dei timpani - in modo che gli ascoltatori "non si annoino". Non a caso, ma l'opera si chiamava "Con la battaglia dei timpani, o Sorpresa". Haydn usava spesso la tecnica dell'onomatopea (gli uccelli cantano, un orso vaga per la foresta, ecc.). Nelle sue sinfonie, il compositore si rivolgeva spesso a temi popolari, principalmente slavo - slovacco e croato.

Autografo della partitura della sinfonia di Joseph Haydn.

Ai rappresentanti della scuola classica viennese, e soprattutto Haydn, viene attribuita la formazione di una composizione stabile dell'orchestra sinfonica. In precedenza, i compositori si accontentavano solo di quegli strumenti attualmente disponibili. L'aspetto di una composizione stabile dell'orchestra è un chiaro segno di classicità. Il suono degli strumenti musicali veniva così introdotto in un sistema rigoroso, che obbediva alle regole della strumentazione. Queste regole si basano sulla conoscenza delle capacità degli strumenti e presuppongono che il suono di ciascuno non sia fine a se stesso, ma un mezzo per esprimere una certa idea. Una composizione stabile ha dato un suono integrale e omogeneo all'orchestra. Oltre alla musica strumentale, Haydn prestò attenzione all'opera e alle composizioni spirituali (creò numerose messe sotto l'influenza di Händel), si rivolse al genere dell'oratorio (La creazione del mondo, 1798; Le stagioni, 1801).

SINFONIA

La forma più complessa di musica strumentale è la sinfonia (in greco "consonanza"). È progettato per essere eseguito da un'orchestra sinfonica. Le possibilità di questo genere sono grandiose: permette di esprimere idee filosofiche e morali con mezzi musicali, di parlare di sentimenti ed esperienze. Il genere si è formato a metà del XVIII secolo dall'opera di rappresentanti della scuola classica viennese. I compositori hanno sviluppato un ciclo nat-sinfonico di quattro movimenti, che differiscono per natura della musica, tempo e metodi di sviluppo del tema. Il primo movimento, costruito in forma di sonata e solitamente eseguito a un ritmo veloce, è ricco di contenuti drammatici. A volte è preceduto da una lenta introduzione. La seconda parte è lenta, contemplativa; è il centro lirico della composizione. Il terzo è in contrasto con il secondo: commovente, la musica dal vivo è danzante o giocosa. Fino all'inizio del XIX secolo. i compositori usavano la forma del minuetto (fr. menuet, da menu - "piccolo"), un comune salone tanya del XVIII secolo. Successivamente, il minuetto fu sostituito da uno scherzo (da Ig. scherzo - "scherzo") - questo era il nome di piccole opere vocali o strumentali, veloci nel tempo e giocose nei contenuti. Il quarto movimento, solitamente veloce, è il finale della sinfonia; qui vengono riassunti i risultati dello sviluppo dei temi e delle immagini dell'opera.

FORMA SONATA

Una delle forme musicali più complesse e ricche di contenuti, la sonata, iniziò a prendere forma nella prima metà del 18° secolo. e assunse la sua forma definitiva nella seconda metà del secolo nelle opere di compositori della scuola classica viennese. La forma della sonata è il principio di esposizione del materiale musicale. Implica non un'alternanza meccanica di parti e sezioni, ma l'interazione di argomenti e immagini artistiche. Gli argomenti - principali e secondari - sono opposti l'uno all'altro o si completano a vicenda. Lo sviluppo dei temi passa attraverso tre fasi: esposizione, sviluppo e ricapitolazione. Gli argomenti sorgono nell'esposizione (dal francese esporre - "esposizione"). La chiave principale suona nella chiave principale (che determina il nome della chiave dell'intera composizione, ad esempio la Sinfonia in do maggiore), la chiave laterale è solitamente presentata in una tonalità diversa - tra i temi sorge un contrasto. In fase di sviluppo, avviene un ulteriore sviluppo dei temi. Possono entrare in netta contraddizione reciproca. A volte l'uno sopprime l'altro o, al contrario, va nell'ombra, lasciando al "rivale" completa libertà d'azione. Entrambi i temi possono apparire sotto una luce diversa, ad esempio, verranno eseguiti da un diverso set di strumenti o possono cambiare radicalmente carattere. In una ripresa (ripresa francese, da reprendre - "rinnovare", "ripetere") i temi a prima vista tornano al loro stato originale. Tuttavia, il secondario suona già in chiave principale, venendo così ad unità con quello principale. La ricapitolazione è il risultato di un percorso complesso, al quale i temi sono arricchiti dall'esperienza di esposizione e di sviluppo. I risultati dello sviluppo sono talvolta fissati in una sezione aggiuntiva - cola (dall'ig. coda - "coda"), ma è facoltativa. La forma della sonata è solitamente usata nella prima parte della sonata e della sinfonia, e anche (con lievi modifiche) nella seconda parte e nel finale. SONATA Uno dei principali generi di musica strumentale è la sonata (it. sonata, da sonare - "suonare"). Questo è un lavoro in più parti (di solito tre o quattro parti); i compositori del secondo metà del XIX- inizio del XX secolo. Ci sono anche composizioni in una parte. Nell'opera dei maestri della scuola classica viennese, la sonata, come la sinfonia, raggiunse il suo apice. A differenza di una sinfonia, una sonata è intesa per uno strumento (di solito il pianoforte) o due (uno dei quali è il pianoforte). La prima parte delle opere di questo genere è scritta in forma di sonata. Ecco i principali temi musicali lavori. Il secondo movimento, generalmente calmo e lento, contrasta nettamente con il primo. Il terzo - il finale, eseguito a ritmo serrato - riassume e infine determina il carattere generale dell'opera.

L'Austria musicale. Classici musicali viennesi

L'Austria è il più grande centro musicale d'Europa.
Compositori - Classici viennesi: J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven.
Il fiorire di un certo numero di generi nel loro lavoro.
Conoscenza del genere quartetto.
La combinazione di dramma e lirismo nelle opere di W. A. Mozart (sull'esempio dell'aria della Regina della Notte dell'opera "Il flauto magico").

Materiale musicale:

J. Haydn. Quartetto in re minore op. 76 n. 2. IV parte (audizione);
W.A.Mozart. Aria della regina della notte dall'opera Il flauto magico (ascolto);
L. Beethoven. Sinfonia n. 9 "Choral", 4° movimento (ascolto, su richiesta del maestro);
J. Haydn, testo russo di J. Sinyavsky. "Siamo amici della musica" (cantando).

Caratteristiche delle attività:

Analizzare il genere e le caratteristiche stilistiche delle opere musicali.
Osservare e valutare la ricchezza intonazionale del mondo musicale (sull'esempio delle opere dei compositori - i classici viennesi)

Nel contesto della storia

L'Austria era un impero multinazionale. In esso, insieme agli austriaci, che hanno lingua nativa- Vissero tedeschi, ungheresi e vari popoli slavi, inclusi cechi, serbi, croati. Le loro melodie di canti e balli si sentivano sia nei villaggi che nelle città. A Vienna la musica popolare risuonava ovunque: in centro e in periferia, agli incroci delle strade, nei giardini pubblici e nei parchi, nei ristoranti e nei pub, nelle case private ricche e povere.

Vienna - il centro di un vasto paese - assorbì queste inesauribili ricchezze folcloristiche. La gente comune viennese era molto musicale. Nelle case e per le strade della città, in numerose feste popolari, insieme a canti austriaci, si sentivano i suoni dei czardas ungheresi e le melodie del cuore dell'Europa - gli slavi occidentali, pieni di sentimento profondo. Fiorirono le danze austriache: proprietari terrieri e valzer. Melodie popolari e generi musicali riversato nella musica dei compositori viennesi in modo del tutto naturale, spesso impercettibilmente per se stessi e allo stesso tempo per i loro aristocratici ascoltatori.

L'Austria divenne il più grande centro musicale d'Europa. I nomi di molti compositori, direttori e interpreti eccezionali sono associati a questo paese.

Di grande importanza per la cultura musicale mondiale è il lavoro dei compositori austriaci: Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven.

La vita e il lavoro di ciascuno di loro sono andati a lungo nella capitale dell'Austria, Vienna. Pertanto, Haydn, Mozart e Beethoven sono chiamati i classici viennesi. Classici - perché le opere che hanno creato hanno ricevuto riconoscimenti in tutto il mondo come eccezionali, esemplari. Le opere dei compositori della Scuola Classica di Vienna rimangono ancora un esempio insuperabile.

La musica del periodo classico è caratterizzata da obiettività ed eleganza della forma. I compositori non scrivevano per la chiesa, ma piuttosto per salotti e balli, che stanno diventando popolari in questo periodo. Durante questo periodo, il clarinetto divenne uno strumento paritario dell'orchestra e il clavicembalo fu soppiantato dal pianoforte di nuova invenzione.

L'eredità dei compositori della Troika di Vienna è uno degli apici del mondo arte musicale. Ha avuto un enorme impatto sull'intero sviluppo successivo della musica classica. Le opere dei compositori della Scuola Classica di Vienna rimangono ancora un esempio insuperabile.

La fioritura di generi come l'opera, la sinfonia, la sonata, il concerto, il quartetto è associata al lavoro dei classici viennesi. Alcuni li conosciamo già, altri li incontreremo per la prima volta.

Haydn. Brevi informazioni biografiche

Franz Joseph Haydn fu il fondatore della scuola classica viennese.

Haydn è nato nel villaggio di Rorau, in Austria. I suoi genitori non erano musicisti professionisti, anche se suo padre amava le canzoni popolari e suonava l'arpa senza conoscerne le note. All'età di cinque anni, Haydn ha cantato con suo padre alle serate musicali in famiglia.

Da bambino Giuseppe era dotato di una bella voce chiara, grazie alla quale fu accettato come corista nel coro della Cattedrale di Vienna di St. Stefano. Alla scuola di coro ha imparato molto, ma quando la sua voce ha cominciato a rompersi, ha dovuto andarsene. All'età di 17 anni, il futuro musicista ricevette un'istruzione quasi completa per l'esecuzione e la composizione.

Haydn si guadagnava da vivere insegnando musica, oltre a suonare il clavicembalo, l'organo e il violino. A poco a poco, sotto la guida del compositore italiano Nicola Porpora, iniziò a comporre la propria musica, compresi i suoi primi quartetti d'archi.

Nel 1761, il ricco principe ungherese Pal Antal Esterházy invitò Haydn al suo posto a Eisenstadt come vice direttore. Da quel momento iniziò il servizio di Haydn con la famiglia Esterhazy, che durò per tre interi decenni.

A sua disposizione, il compositore aveva una delle migliori orchestre d'Europa, per la quale scrisse molte opere, opere di natura spirituale, sinfonie e quartetti d'archi.

Haydn trascorse gli ultimi anni della sua vita a Londra.

Per me lunga vita Haydn ha regalato al mondo un numero enorme di creazioni brillanti. E sebbene gran parte della sua eredità sia andata perduta e ciò che è noto ai posteri oggi, a Ciajkovskij è bastato dire di Haydn: "Se non fosse per lui, non ci sarebbero né Mozart né Beethoven".

Suoni di musica

Uno dei creatori del quartetto classico è Joseph Haydn. Il quartetto classico (d'archi) comprende quattro strumenti: due violini, viola, violoncello. Nonostante il fatto che ogni membro del quartetto esegua una parte indipendente, il suo suono generale si distingue per unità e armonia.

Quartetto. La parola "quartus" in latino significa "quarto". Da lui deriva il nome dell'ensemble di quattro interpreti, cantanti o strumentisti. Molto spesso, gli strumenti correlati sono assemblati in quartetti, solo archi o solo fiati o fiati di ottoni. Un quartetto è anche chiamato un'opera creata per un insieme di quattro interpreti, ad esempio: il quartetto di Beethoven, il quartetto di Borodin ...

Quartetti op. 76 Haydn ha creato all'apice della fama e dell'abilità del compositore. Erano il risultato di un miglioramento a lungo termine del compositore, che al momento della loro creazione aveva già 65 anni. Il secondo quartetto d'opera si distingue: è l'unica opera scritta in tonalità minore.

Nessun quartetto è stato così amato dagli artisti come i quartetti di Haydn. Allo stesso modo, i quartetti di Haydn continuano ad essere di grande interesse sia per gli esecutori che per gli ascoltatori.

Audizione: J. Haydn. Quartetto in re minore op. 76 n. 2. Parte IV.

Mozart. Brevi informazioni biografiche

L'ascesa più alta della scuola viennese è associata all'opera del geniale Mozart.

Wolfgang Amadeus Mozart è nato dal compositore Leopold Mozart. Dotato di un udito fenomenale, il ragazzo fin dalla prima infanzia iniziò a imparare a suonare il clavicembalo e il violino sotto la guida di suo padre.

Presto Leopold Mozart dimostrò un bambino miracoloso alla corte dell'arcivescovo di Salisburgo e all'età di 6 anni il ragazzo era già in tournée con concerti in tutta Europa. All'età di dodici anni Mozart fu autore di tre opere.

I viaggi hanno ampliato i suoi orizzonti musicali e gli hanno portato molte vivide impressioni. Ovunque arrivasse la famiglia, ovunque il giovane Mozart che suonava il clavicembalo fu accolto con entusiasmo. Il piccolo genio faceva parlare tutta l'Europa.

Nel 1770 Mozart si recò con il padre in Italia, dove le prime delle sue opere, tra cui la nuova Mitridate, re del Ponto, ebbero un trionfante successo. Nella Cappella Sistina Mozart ascoltò l'opera corale di Allegri Miserere, la cui pubblicazione era vietata ed eseguita fuori dalla cappella. Il giovane compositore ha stupito tutti registrando l'opera a memoria dopo un solo ascolto.

Tuttavia, il giovane Mozart non era ammirato da tutti, molti musicisti lo invidiavano o lo trattavano con diffidenza. Quindi, nella città di Bologna, i musicisti locali hanno dato a Mozart una vera prova: si sono offerti di comporre una fuga. Questo di solito richiedeva diverse ore. Mozart lo fece in appena mezz'ora. Successivamente il giovane compositore fu eletto membro dell'Accademia Musicale di Bologna.

Dopo trionfanti tournée in Francia e in Italia, tornò a Salisburgo e divenne maestro di banda nell'orchestra dell'arcivescovo, dove prestò servizio suo padre. Tuttavia, Mozart cadde in disgrazia lì. Altri musicisti lo invidiavano e il dispotico arcivescovo non era soddisfatto del suo carattere orgoglioso. Tuttavia Mozart lavorò sodo e fu a Salisburgo che divenne un maestro maturo e indipendente della musica sinfonica. Alla fine, si stancò di essere in servizio e si ritirò.

Nel 1781 partì per Vienna e iniziò a guadagnarsi da vivere con il suo lavoro. Lì ha composto molto e ha tenuto concerti. La formazione dell'opera austriaca è associata al suo nome: prima di Mozart, sul palcoscenico austriaco venivano eseguite opere di compositori italiani o loro imitatori.

Il compositore non è mai stato in grado di raggiungere una grande prosperità, era costantemente indebitato ed era costretto ad accettare qualsiasi ordine. Inoltre, una grave malattia minò le sue forze.

Vero, dentro l'anno scorso Mozart ha creato un'altra opera nella sua vita: una fiaba luminosa e gioiosa "Il flauto magico". La musica di quest'opera è dominata da toni allegri, testi chiari e limpidi. Allo stesso tempo, ci sono molte scene, sature di passione, confusione mentale, dramma.

L'ultima opera di Mozart, l'ingegnoso Requiem, rimase incompiuta. I lavori furono interrotti dalla morte, avvenuta il 5 dicembre 1791 a Vienna. Mozart fu sepolto in un cimitero per poveri e la sua tomba andò perduta.

Ora le opere di Mozart vanno in scena sui migliori palcoscenici del mondo, e le sue composizioni sono inserite nel repertorio dei più grandi musicisti del nostro tempo.

Suoni di musica

Il genere operistico nelle opere dei classici viennesi è rappresentato principalmente dalle opere di W. A. Mozart. Ascolteremo l'aria della regina della notte dalla sua opera fiabesca Il flauto magico.

Due mondi sono in guerra ne Il flauto magico: il regno della formidabile padrona della notte e il regno solare del saggio Sarastro. Nel mondo di Sarastro si riversa la luce del sole splendente, si sentono suoni solenni di trombe e tromboni, regnano pace e tranquillità.

Il sovrano dell'oscurità e del male, l'insidiosa regina è ossessionata dall'idea del potere sul mondo. Cerca di sconfiggere il saggio sovrano Sarastro e catturare il suo talismano: il sacro disco solare. Esprime la sua rabbia in un'aria furiosamente virtuosa. “Una terribile vendetta anela al mio cuore! Sono spietato!" esclama la regina della notte. Comanda a sua figlia di distruggere Sarastro.

Ascolto: W. Mozart. Aria della regina della notte dall'opera Il flauto magico.

Beethoven. Brevi informazioni biografiche

Un altro grande rappresentante della scuola viennese è Ludwig van Beethoven.

L'infanzia di Beethoven trascorre a Bonn. Il ragazzo scelse la professione non a caso: suo padre e suo nonno erano musicisti professionisti, quindi seguì naturalmente le loro orme. La sua infanzia è stata trascorsa nel bisogno materiale, è stata cupa, dura. Allo stesso tempo, Ludwig dovette dedicare la maggior parte del suo tempo agli studi: al ragazzo fu insegnato a suonare il violino, il pianoforte e l'organo.

Progredì rapidamente e dal 1784 prestò servizio nella cappella di corte. Ludovico è passato buona scuola nell'orchestra di corte, dove è stato formato da molti musicisti eccezionali: K. Nefe, I. Haydn, I. Albrechtsberger, A. Salieri. Lì iniziò a comporre musica e riuscì anche a prendere il posto di organista e violoncellista.

Nel 1787 Beethoven decise di andare incontro al suo destino in Austria. La sua capitale - Vienna - era famosa per le sue grandi tradizioni musicali. Mozart visse lì e il desiderio di lunga data di Beethoven era di studiare sotto di lui. Sentendo suonare il giovane musicista di Bonn, Mozart disse: “Prestagli attenzione. Farà parlare tutti di lui!”

Amici influenti aiutarono Beethoven e presto divenne un pianista e insegnante alla moda. Dal 1792 Beethoven risiede stabilmente a Vienna. Ben presto divenne famoso come straordinario pianista e improvvisatore. Il suo modo di suonare ha impressionato i suoi contemporanei con la profondità delle passioni, l'emotività e la straordinaria strumentazione.

Tuttavia, il compositore, che era nel fiore degli anni, fu colpito da una grave malattia. Dal 1796 iniziò a diventare sordo e alla fine del 1802 era completamente sordo. All'inizio cadde nella disperazione, ma, superata una grave crisi psicologica, riuscì a riprendersi e riprese a comporre musica. Beethoven rifletteva nelle sue composizioni esperienze difficili e un grande amore per la vita e per la musica, che ora hanno acquisito una connotazione drammatica.

Al centro di quasi tutte le opere di Beethoven c'è il carattere brillante e insolito di una personalità in difficoltà, che possiede un genuino ottimismo. Allo stesso tempo, immagini eroiche si intrecciano con testi profondi e concentrati, con immagini della natura. La capacità di Beethoven di combinare elementi di generi diversi in un'unica opera non è stata solo una scoperta, ma anche una caratteristica della musica dei suoi seguaci. Il lavoro del compositore ha avuto una grande influenza sulla musica europea.

Una grave malattia, che ha richiesto diversi interventi chirurgici, ha minato il suo potente corpo. Ludwig van Beethoven morì il 26 marzo 1827. Il giorno del suo funerale, le lezioni sono state cancellate in tutte le scuole viennesi. Dietro la bara del grande musicista camminava una folla di ventimila persone.

Suoni di musica

L'ultima delle sinfonie create da Beethoven è stata la Nona, che suona come un inno al potere e alla forza dello spirito umano che si è innalzato al di sopra della malattia. Dopotutto, gli ultimi anni della vita di Beethoven sono stati oscurati da gravi difficoltà, malattie e solitudine.

Per la realizzazione più grandiosa del tema della lotta eroica e della vittoria, Beethoven nella sua Nona Sinfonia si rivelò un mezzo espressivo insufficiente dell'orchestra. E ha agito in un modo che prima era del tutto insolito: ha introdotto il coro e i cantanti solisti nel finale della sinfonia. Ha preso le parole dall '"Inno alla gioia" del suo contemporaneo - il poeta tedesco Friedrich Schiller. A queste parole Beethoven ha creato un maestoso inno a coronamento dell'opera, chiamando i popoli di tutto il mondo alla gioiosa unità fraterna.

Come se un enorme sole stesse sorgendo nel cielo. Abbraccia, milioni di persone, unisciti alla gioia di uno! Eccolo, il futuro! Nell'unità di tutte le persone che lottano per la pace, la libertà, la felicità.

La prima della sinfonia ebbe luogo il 7 maggio 1824 in uno dei teatri di Vienna. Beethoven si fermò al banco del direttore d'orchestra e agitò le braccia. Per molto tempo non poté più dirigere l'orchestra, perché era sordo. In effetti, un altro direttore d'orchestra stava dirigendo, in piedi accanto a Beethoven.

Quando la musica cessò, iniziò un tale applauso che sembrò che il tetto del teatro sarebbe crollato. Beethoven da solo non li sentiva. Stava dando le spalle al pubblico. Poi uno dei cantanti lo ha girato per affrontare il pubblico. E vide il successo della sua sinfonia. Beethoven è stato accolto con cinque standing ovation. Ma anche l'imperatore doveva essere salutato tre volte. Per fermare questa violazione della cerimonia, la polizia ha ordinato al pubblico di lasciare la sala.

Questa melodia è attualmente adottata come inno dell'Unione Europea.

In termini di potere del pensiero, ampiezza dell'idea, perfezione dell'incarnazione, la Nona Sinfonia non ha eguali. La Nona Sinfonia, con il suo appello finale, divenne una testimonianza ideologica dell'umanità e ebbe una forte influenza sulla sinfonia del XIX e XX secolo.

Ascolto: L. Beethoven. Sinfonia n. 9 "Choral", 4° movimento (frammento).

Domande e compiti:

Quale dei grandi compositori è chiamato il classico della musica viennese?
Cosa spiega una tale definizione?
La fioritura di quali generi musicali è associata all'opera dei classici viennesi?
Assegna un nome alla composizione di un quartetto classico (d'archi).
Cosa distingue il suono del quartetto di J. Haydn: l'unità, la coerenza o la loro assenza?
Le caratteristiche del canto, della danza o della marcia sono evidenti nella musica di J. Haydn?
Aria of the Queen of the Night è un'aria di vendetta. Ascolta l'aria. È solo un personaggio drammatico insito in esso? Pensa perché?
Quale opera ha coronato l'opera di L. Beethoven?
Chi è l'autore delle poesie alla base del finale della Nona Sinfonia?
Qual è la natura del finale della Nona Sinfonia?

Presentazione

Incluso:
1. Presentazione, ppsx;
2. Suoni di musica:
Beethoven. Inno alla gioia. Sinfonia n. 9 (finale), mp3;
Haydn. Quartetto d'archi op. 76 n. 2, IV parte, mp3;
Mozart. Aria della regina della notte dall'opera Il flauto magico .mp3;
3. Articolo di accompagnamento, docx.

Scuola Classica di Vienna

(classici viennesi, classicismo viennese, classici viennesi) - la direzione della musica europea della seconda metà del XVIII - primo quarto del XIX secolo. Ne fanno parte i compositori Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven.

Funzionalità musicali

I tre grandi compositori della scuola viennese sono accomunati dal loro virtuosismo nei più diversi stili musicali e tecniche compositive: dai canti popolari alla polifonia barocca. I classici viennesi hanno creato quel tipo alto di musica strumentale in cui tutta la ricchezza del contenuto figurativo è incarnata in una forma artistica perfetta.

La caratteristica principale di questa tendenza è applicazione di tre tecniche: accompagnamento obbligatorio, presenza di temi trasversali e lavoro sul tema e sulla forma.

Le opere dei classici viennesi esprimono una comprensione dinamica dei processi vitali, che ha trovato la sua incarnazione più completa nella forma della sonata e ha determinato la sinfonia di molte delle loro composizioni. Con il sinfonismo, in senso lato, si associa il fiorire dei principali generi strumentali dell'epoca - sinfonia, sonata, concerto e ensemble da camera, la formazione finale di un ciclo sonata-sinfonico in 4 movimenti.

Il periodo di massimo splendore della scuola classica viennese coincise con il processo generale di formazione dell'orchestra sinfonica: la sua composizione stabile, la definizione funzionale dei gruppi orchestrali. Si formarono i principali tipi classici di ensemble da camera: il trio con pianoforte, il quartetto d'archi e altri. Tra la musica per strumenti solisti, spicca in particolare la musica per pianoforte. Il lavoro operistico di Mozart ha aperto ampie prospettive per lo sviluppo di vari tipi di opera: commedia lirica e socialmente accusatoria, dramma musicale, opera di fiabe filosofiche e altri.

Ognuno dei maestri della scuola classica viennese aveva una personalità unica. Haydn e Beethoven erano i più vicini alla sfera della musica strumentale, Mozart si è ugualmente dimostrato sia nel genere operistico che in quello strumentale. Haydn gravitava più verso immagini obiettive di genere popolare, umorismo, battute, Beethoven - verso l'eroismo, Mozart, essendo un artista universale - verso varie sfumature di esperienza lirica.

Vienna, la capitale della cultura musicale dell'epoca, divenne la piattaforma centrale per lo sviluppo di questa direzione musicale. E se Parigi con la sua opera e Londra con i suoi concerti pubblici furono le città musicali d'Europa nella seconda metà del 18° secolo, allora Vienna, dopo la morte del famoso Mozart e il trasferimento di Beethoven in essa, occupò una posizione dominante nel mondo di musica. E se Mozart durante la sua vita era piuttosto uno dei famosi compositori viennesi, Beethoven considerava già Vienna il coronamento della sua carriera creativa. Questa circostanza è stata perspicacemente notata da un ammiratore di Beethoven, il conte Ferdinand Ernst Gabriel von Waldstein, nella sua lettera a lui: "Grazie alla tua instancabile diligenza, riceverai lo spirito di Mozart dalle mani di Haydn"

Il termine "classici viennesi" fu usato per la prima volta dal musicologo austriaco Raphael Georg Kizewetter nel 1834 in relazione a Haydn e Mozart. Successivamente, altri autori hanno aggiunto Beethoven a questo elenco. I classici viennesi sono spesso indicati anche come rappresentanti della prima scuola viennese.

Il sistema di generi, forme e regole di armonia, sviluppato dalla scuola classica viennese, conserva ancora oggi il suo significato.

Scuola Classica di Vienna

http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_music/1528/%D0%92%D0%B5%D0%BD%D1%81%D0%BA%D0%B0%D1%8F

(tedesco Wiener Klassik) - una direzione creativa che si è sviluppata in Austria nel 2° tempo. 18mo secolo - 1° quarto del 19° secolo. Ne fanno parte tre grandi compositori: J. Haydn, W. A. Mozart e L. Beethoven. Ognuno di loro aveva una brillante creatività. individualità, che determinava sia il carattere generale della musica, sia la scelta dei generi, sia le caratteristiche delle muse. linguaggio. Quindi, nella musica di Haydn predominano stati d'animo luminosi e gioiosi, gli elementi di genere giocano un ruolo di primo piano; Spicca in particolare il carattere lirico-drammatico di Mozart. Inizio; La caratteristica dominante della musica di Beethoven è l'eroismo. pathos di lotta, di vittoria, di vittoria. Haydn ha scritto in una varietà di generi, ma il più significativo. contribuito al campo di istr. musica e oratorio ("Creation of the World", "Seasons"); nell'opera di Mozart, che arricchì e instr. la musica, il posto più importante appartiene all'opera; Beethoven, creatore di unità. opera "Fidelio", alla quale lavorò per molti anni, per la natura del suo talento gravitava verso l'instr. musica. Nonostante tutta la loro originalità individuale, i tratti comuni più importanti si trovano nel lavoro di questi artisti: realismo, ottimismo, carattere che afferma la vita, orientamento umanistico, genuina nazionalità, democrazia. Opere dei compositori V. k. sh. distingue l'ampiezza della copertura dei contenuti della vita. La profonda serietà è organicamente combinata in loro con l'allegria, lo scherzo, la tragedia. inizio - con un fumetto. L'emotivo si connette con il razionale; volo libero della fantasia - con calcolo preciso, massima armonia, chiarezza, perfezione della forma. I rappresentanti di V. a. sh. hanno saputo esprimere anche i contenuti più complessi in un linguaggio estremamente semplice e comprensibile. V.k.sh. come l'art. la direzione si è evoluta mentre ti muovi verso la creatività. maturità dei suoi alti rappresentanti - Haydn e Mozart. E già l'opera del compianto Beethoven supera i limiti tipici dell'intera V. a. sh. stile. Pertanto, alcuni ricercatori (G. Abert) limitano il periodo di V. a. sh. 1782-1812, sebbene l'attività creativa di Haydn e Mozart fosse iniziata diversi decenni prima, e il più giovane dei rappresentanti del V.k.sh., Beethoven, continuò a lavorare fino al 1827. La formazione di V.k.sh. cade negli anni di rapido sviluppo di esso. e austriaco illuminazione. Sta vivendo il suo periodo di massimo splendore. poesia; emerge l'arte. critica, raggiunge un alto sviluppo della filosofia. I maggiori artisti e pensatori dell'epoca - Herder, Goethe, Schiller, Lessing, Kant, Hegel - propongono una nuova umanistica. ideali. I migliori rappresentanti di esso. e austriaco le culture assorbono anche avanzate socio-politiche, etiche. ed estetico Idee francesi. borghese illuministi. Molti della loro estetica gli ideali, in particolare lo slogan di libertà e naturalezza proclamato da Rousseau, sono stati incarnati nell'opera dei compositori di V. k. sh. Il lavoro di Beethoven è stato indelebilmente influenzato dalle idee dei Grandi Francesi. rivoluzione. Compositori V. k. sh. ereditato le conquiste del cosiddetto. prima scuola viennese, i cui rappresentanti più importanti furono G. X. Wagenseil (1715-77), G. M. Monn (1717-50), G. Muffat (1690-1770), J. Starzer (1726-87). Tuttavia, la musica le origini di V. k. sh. non sono ridotti al vero e proprio austriaco. art-wu - sono molto più ampi. Tra questi c'è l'italiano. opera, che è stata a lungo coltivata a Vienna, e italiana. istr. musica. Mozart ha incontrato l'italiano. musica non solo a Vienna, ma anche nella stessa Italia, che visitò nel 1771 e nel 1772-73. Un ruolo importante nella formazione di V. a. sh. appartiene alla scuola di Mannheim che si è sviluppata in Baviera; includeva eminenti cechi. musicisti J. Stamitz (1717-57), F. K. Richter (1709-89), K. Kannabich (1731-98) e altri. Anche l'opera di J. S. Bach (1685-1750), dei suoi figli Carl Philipp Emanuel (1714-88) e Johann Christoph (1732-95), nonché di G. F. Handel (1685-1759) ebbe un ruolo. Diretto Il predecessore di V. a.sh. era KV Gluck (1714-87). Iniziò la sua riforma operistica a Vienna (1750-72) e nelle sue opere parigine rimase largamente fedele alla tradizione viennese. Gluck ha creato un'opera d'arte di importanza mondiale, che ha influenzato l'intero sviluppo successivo dell'Europa. opere. I tratti di "Glukov-sky" si riflettono chiaramente in "Idomeneo" e "Don Giovanni" di Mozart, nelle aperture all'opera "Fidelio" e negli oratori di Beethoven. Il lavoro di Haydn fu influenzato anche dalla musica dell'Inghilterra, che visitò nel 1791-92 e nel 1794-95. Tra le muse più importanti. le origini di V. a. sh. - Nar. musica. La popolazione dell'Austria era multinazionale - nella sua composizione, oltre agli austriaci. I tedeschi includevano anche cechi, ungheresi, sloveni, che avevano il loro letto originale. musica cultura. Le persone si sono incontrate a Vienna. musicisti di tutte queste nazionalità. Compositori V. k. sh. assorbito elementi della loro arte, to-rye formò nel loro lavoro un caratteristico austriaco. "lega". Più direttamente nar. Haydn ha implementato melodie nelle sue composizioni. Mozart ricorreva raramente all'uso di autentiche cuccette. melodie, ma ne assimilarono profondamente il carattere e lo spirito; molti dei temi originali da lui creati sono vicini a quelli di Nar. Tedesco e austriaco canzone (ad esempio, nelle opere "Il flauto magico", "Don Giovanni"). Grande interesse per Nar. Beethoven ha mostrato la canzone. Hanno effettuato numerose lavorazioni di cuccette. le canzoni differiscono nazionalità. Il lavoro dei compositori V. k. sh. era strettamente associato alla musica quotidiana viennese. Lo dimostrano i divertissement, le serenate, le cassazioni create da Haydn e Mozart, le marce e le danze scritte da Beethoven. Compositori V. k. sh. essenzialmente riassumeva l'intera precedente esperienza della world music. arte. Su questa base e mantenendo il ruolo di primo piano del tedesco. e austriaco nat. elemento, hanno sviluppato un linguaggio veramente universale. "La mia lingua è compresa in tutto il mondo", ha scritto Haydn, e così è stato in realtà. Compositori V. k. sh. realizzò le aspirazioni dei pensatori avanzati e dei musicisti dell'epoca - Herder, che considerava la musica come "l'arte dell'umanità", Gluck, che ammise che gli sarebbe piaciuto scrivere musica comprensibile a tutte le persone. Muse. la lingua dei compositori V. k. sh. caratterizzato da semplicità, chiarezza, espressività. Rispetto alla musica del preclassico e del primo classico. periodi, il loro ritmo è più naturale, rilassato, vario e caratteristico. Una delle novità importanti delle muse. la lingua dei rappresentanti di V. a. sh. - una chiara articolazione della musica. tessuti in costruzioni relativamente corte, una specie di "cellule espresse", "grani", corrispondenti a un unico principio strutturale. A questo proposito, il sostegno ai compositori di V. k. sh. servito come persone canti e balli con il loro principio caratteristico di associazione strutturale di un numero pari di misure: due, quattro, otto, ecc. Di particolare importanza nell'opera dei classici viennesi è il periodo di otto battute, che si scompone in due frasi simili di quattro battute (queste ultime, a loro volta, sono divise in due battute). V.k.sh. ha portato con sé un enorme arricchimento di armonia. Se i predecessori di V. a.sh. utilizzava principalmente gli accordi delle tre basi. funzioni, rappresentanti di V. a. sh. anche altre consonanze dei sistemi maggiore e minore sono ampiamente utilizzate, il che segna il ritorno in una nuova fase alla ricchezza degli armonici. la lingua di G. F. Handel - J. S. Bach. Usano più liberamente le dissonanze, i cromatismi. L'arte della modulazione raggiunge tra loro un alto livello di sviluppo. Usano anche cromatico, enarmonico. modulazione; armonie inaspettate. Le "svolte" sono particolarmente frequenti nel compianto Haydn e Mozart. Sebbene i rappresentanti di V. k. sh., così come i compositori pre-classici. periodo, dai la preferenza alle chiavi principali, la gamma di chiavi che usano viene notevolmente ampliata. Insieme alla caratteristica l'interpretazione di ogni singola tonalità è padroneggiata per esprimere. e possibilità di costruzione di forme di tonalità abbinate. Basandosi sulla ricchezza dell'arte del canto popolare, i rappresentanti di V. k.sh. giunse a una nuova comprensione della melodia, delle sue funzioni e possibilità. È con il periodo da V. a. sh. l'affermazione delle muse è collegata. temi non solo come portatori di una certa espressività, ma anche come arte. un'immagine che contiene un ricco potenziale di sviluppo. In procinto di diventare V. a. sh. caratteristica, individualità, espressività della melodica originale. costruzione, i temi sono di grande importanza. Il suo "aspetto" dalle prime battute determina ora il "volto" dell'opera. In accordo con il magazzino delle canzoni, il tema nelle opere dei compositori V. k. sh. il più delle volte indicato sotto forma di un punto arrotondato. Nonostante tutto il laconismo di una tale struttura, il tema risulta spesso internamente complesso, poiché di solito consiste in una serie di motivi individuali, opposti ed equilibranti. Per questo il classico musica il tema è in grado di svilupparsi intensamente, essendo soggetto a scomposizione. trasformazioni, ma senza perdere la maggior parte delle creature. caratteristiche che consentono all'ascoltatore di "riconoscerlo" anche in una forma fortemente modificata. Compositori V. k. sh. raggiunto la più alta competenza nel campo della tematica. sviluppo, sviluppo, utilizzo di una varietà di tecniche: cambio di tonalità, armonizzazione, ritmo, elementi melodici, ecc. Ma è particolarmente caratteristico per loro dividere l'argomento in parti separate. motivi, segale stessi sono decomposti. trasformazioni e si combinano tra loro in modi diversi. Pertanto, il "seme" dello sviluppo a volte non è l'intero argomento, ma solo il suo motivo. Tuttavia, grazie alla logica, alla determinazione dello sviluppo (soprattutto nelle opere di Beethoven), l'ascoltatore ha spesso l'impressione che tutto "incorpori" in questa tematica. Il nucleo si sviluppa "da solo" come organismo vivente. Haydn e Beethoven spesso costruiscono parti intere sulla base di pochi motivi, il che, tra l'altro, assicura l'unità e l'integrità delle composizioni. Mozart con la sua melodica solitamente più "dispendioso" per ingegno, ma apprezzava anche il modo "motivato" allo sviluppo, avendolo studiato dagli scritti di Haydn, pioniere in questo campo. Il principale e più caratteristico per V. a. sh. musica la forma è la sonata allegro. Sebbene la sua formazione sia iniziata significa. in precedenza, erano i compositori di V. k. sh. diede un contributo decisivo alla formazione della sonata allegra e ne creò un vero classico. il tipo di questo modulo. Il principio guida della sonata allegro che hanno creato è il contrasto e il suo successivo ammorbidimento, portando all'unità (vedi. forma sonata ). Sonata Allegro dei compositori V.k.sh. è la "pietra angolare" di multipart instr. le forme. Nel loro lavoro c'è un classico. tipo di sonata-sinfonia in quattro parti. ciclo - con una seconda parte lirica lenta, un minuetto o uno scherzo come terza parte e un finale vivace, spesso rondò. Questo ciclo è alla base di tutti i principali instr. opere di compositori V. k. sh. - sinfonie, formazioni cameristiche varie intitolate alla loro composizione (trio, quartetto, quintetto, ecc.), sonate per strumenti solisti e con accompagnamento. Solo classico. il concerto è costruito come un ciclo di tre movimenti: manca un minuetto e uno scherzo. In caso contrario, le deviazioni dallo schema di cui sopra sono rare. Sonata-sinfonia. il ciclo, che è una combinazione di parti logicamente coerente ed espediente, è servito come base per le più alte conquiste dei compositori del V. k. sh. nel campo dell'istruz. musica. In questi grandi instr. scritti di grande contenuto vitale, raggiunsero il più alto livello di generalizzazione artistica. In molte composizioni strumentali mature di Haydn, Mozart e Beethoven, un unico concetto ideologico determina anche le connessioni tematiche tra le singole parti. Potente sviluppo instr. musica nell'opera dei compositori V. k. sh. è strettamente connesso con lo sviluppo di strumenti, si esibirà. ensemble e associazioni. La più alta associazione di questo tipo era la sinfonia. orchestra, formatasi proprio in questo periodo. La composizione del cosiddetto. sinfonia classica (piccola). l'orchestra è stata costituita al 2° piano. 18mo secolo nell'opera di J. Haydn. Nessuno degli strumenti inclusi nel classico. l'orchestra non era nuova; tuttavia, le loro funzioni sono cambiate. La composizione dell'orchestra nel suo insieme si è stabilizzata. Il posto di primo piano nell'orchestra era occupato dal violino e dagli strumenti della sua famiglia (quintetto con archi), il clarinetto e il corno entrarono nel gruppo di fiati come membri uguali. Il trombone è entrato nella sinfonia. orchestra solo dalla 5a sinfonia di Beethoven. Con un gruppo abbastanza ampio di strumenti ad arco (da 24 a 30 violini, 10-20 altri strumenti ad arco), si è costituita una composizione accoppiata di legno (tranne il flauto) e ottoni (3-4 corni sono stati coinvolti solo in via eccezionale ); i tamburi erano costantemente utilizzati timpani. Tutti gli strumenti sono stati utilizzati nel modo più naturale. volumi e registri. Brass che si è esibito prima aiuterà. le funzioni divennero indipendenti. gruppo con caratteristiche timbriche. Novità nel campo della camera-instr. gli ensemble è stato il rafforzamento della loro composizione: le precedenti diverse associazioni sono state sostituite da composizioni stabili di archi e pianoforte rigorosamente regolamentate. trio, archi. quartetto, quintetto, duetto Ph.D. strumento e fp. Tra gli strumenti solisti, il pianoforte acquisì un'importanza fondamentale, sostituendo gradualmente il clavicordo e il clavicembalo (chambalo). L'interpretazione stessa del pianoforte è cambiata: la trasparenza, il suono da camera caratteristico delle opere di Mozart e Haydn è stato sostituito dal suono "orchestrale" delle opere di Beethoven. Nel campo dell'opera, i successi di Mozart e Beethoven sono particolarmente significativi (Haydn prestava meno attenzione all'opera). Nuove forme operistiche si svilupparono nell'opera mozartiana con grande gradualità, basate sull'assimilazione dell'esperienza dei predecessori (l'opera seria e l'opera buffa italiana, in particolare le sue varietà tardo napoletane, il tedesco Singspiel, le opere "riformiste" di Gluck). Tre delle opere più significative di Mozart - "Le nozze di Figaro", "Don Giovanni" e "Il flauto magico" - gettarono le basi per la decomp. tipi classici. opere - realistiche. commedia, caratterizzata da acuti filosofici e psicologici. conflitto, commedia-dramma ("Dramma giocosa", come lo stesso Mozart chiamava "Don Giovanni") e poetico nar. musica fiabe. Queste opere si distinguono per un profondo realismo, una sottile individualità. delineazione di personaggi che agiscono in relazioni complesse, musica genuina. drammaturgia, permeante l'intera azione, organica. una combinazione di vari principi apparentemente opposti: serio, sublime e allegro, comico. Sebbene le prime due di queste opere siano state scritte in italiano. libretto, erano indirizzati agli austriaci. e tedesco. ascoltatore e ha costituito le fasi più importanti del suo sviluppo. nat. opere. Beethoven nel suo "Fidelio" ha creato una sorta di sublime eroismo rivoluzionario. opera, generalizzando e ripensando l'esperienza di Gluck e l'"opera di salvezza" del tempo dei Grandi Francesi. rivoluzione. La pietra miliare più brillante nello sviluppo del genere dell'oratorio furono gli oratori di Haydn La creazione del mondo e Le stagioni, che coronarono il suo lavoro. Combinando elementi degli oratori, dell'opera, del singspiel, del canto, della musica sacra e della sinfonia di Händel, Haydn ha creato opere profondamente impressionanti che combinano il significato del contenuto con la semplicità e l'accessibilità del linguaggio musicale. Presentato nelle opere dei compositori V. k. sh. generi ecclesiastici. musica, senza mutare esteriormente, ripensata “dall'interno”. Haydn, Mozart e Beethoven saziarono le loro muse. immagini di eccezionale luminosità e profondità (Requiem di Mozart); dalle opere della Chiesa. vita quotidiana, sono diventati un tipo speciale di wok da concerto.-instr. musica (Messa di Beethoven in do-dur e Messa solenne in re-dura). Il lavoro dei compositori V. k. sh. è uno degli apici della world music. causa. Ebbe un'influenza indelebile sull'intero sviluppo successivo delle muse. causa. La luminosità e la profondità delle tematiche, la logica e la finalità dello sviluppo, il rigore e allo stesso tempo la spiritualità e la libertà delle forme nelle opere dei compositori di V. k. sh. resta ancora un esempio insuperabile.

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introduzione

Nel corso del 18° secolo, in alcuni paesi (Italia, Germania, Austria, Francia, ecc.) si sono verificati processi di formazione di nuovi generi e forme di musica strumentale, che finalmente hanno preso forma e hanno raggiunto il loro apice nel cosiddetto "Scuola classica viennese".

La scuola classica viennese, che ha assorbito organicamente le conquiste avanzate delle culture musicali nazionali, era essa stessa un fenomeno profondamente nazionale, radicato nella cultura democratica del popolo austriaco. Rappresentanti di questa direzione artistica erano J. Haydn, V.A. Mozart, L. van Beethoven. Ognuno di loro era una personalità brillante. Quindi, lo stile di Haydn si distingueva per una brillante visione del mondo, il ruolo principale del genere e degli elementi quotidiani. Per lo stile di Mozart, l'inizio lirico-drammatico era più caratteristico. Lo stile di Beethoven è l'incarnazione del pathos eroico della lotta. Tuttavia, insieme alle differenze che hanno determinato l'unicità dell'individualità di ciascuno di questi compositori, sono uniti dal realismo, un principio che afferma la vita e dalla democrazia.

L'arte dei classici viennesi ha introdotto nella cultura musicale mondiale un potente flusso realistico e democratico, basato sulla ricchezza dell'arte popolare, e quindi ha conservato per noi tutto il suo valore e significato artistico.

1. La Vienna Classical School come direzione artistica in musica cultura XVIII- inizio 19° secolo

1.1. Caratteristiche dello stile della scuola classica viennese

L'apice dello sviluppo del classicismo musicale è stato il lavoro di Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven, che hanno lavorato principalmente a Vienna e hanno formato la scuola classica viennese nella cultura musicale della seconda metà del XVIII - inizio XIX secolo.

L'attività dei compositori della scuola classica viennese è stata preparata dall'esperienza artistica dei loro predecessori e contemporanei, tra cui l'opera italiana e francese e la cultura strumentale, le conquiste della musica tedesca. Un ruolo enorme nella formazione della scuola classica viennese è stato svolto dalla vita musicale di Vienna, il più grande centro musicale, il folclore musicale della multinazionale austriaca. L'arte dei classici viennesi è strettamente connessa con l'impennata generale della cultura austro-tedesca, con l'illuminismo, che rifletteva gli ideali umanistici del terzo stato alla vigilia della Rivoluzione francese. Le idee creative dei classici viennesi sono strettamente legate alle opinioni di G.E. Lessing, I.G. Herder, IV Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, con alcune disposizioni degli enciclopedisti francesi.

L'arte dei rappresentanti della scuola classica viennese è caratterizzata dall'universalità del pensiero artistico, dalla coerenza, dalla chiarezza della forma artistica. Sentimenti e intelletto, tragico e comico, calcolo preciso e naturalezza, facilità di espressione si combinano organicamente nelle loro opere.

Le opere dei classici viennesi esprimono una comprensione dinamica dei processi vitali, che ha trovato la sua incarnazione più completa nella forma della sonata e ha determinato la sinfonia di molte delle loro composizioni. Con la sinfonia, senso ampio, sono legati al fiorire dei principali generi strumentali dell'epoca - sinfonia, sonata, concerto e ensemble da camera, la formazione finale di un ciclo di sonate-sinfoniche in 4 parti.

La musica dei compositori della scuola classica viennese è una nuova tappa nello sviluppo del pensiero musicale; il loro linguaggio musicale è caratterizzato da un rigoroso ordine, centralizzazione, combinato con diversità e ricchezza interna. Nel loro lavoro si formano tipi classici di strutture musicali: punto, frase, ecc.

Il periodo di massimo splendore della scuola classica viennese coincise con il processo generale di formazione dell'orchestra sinfonica: la sua composizione stabile, la definizione funzionale dei gruppi orchestrali. Si formarono i principali tipi classici di ensemble da camera: il trio con pianoforte, il quartetto d'archi, ecc. La musica per pianoforte si distingueva in particolare dalla musica per strumenti solisti. Il lavoro operistico di Mozart ha aperto ampie prospettive per lo sviluppo di vari tipi di opera: commedia lirica e socialmente accusatoria, dramma musicale, opera di fiabe filosofiche, ecc.

Il lavoro dei compositori della scuola classica viennese, che appartiene alle vette della cultura artistica mondiale, ha avuto un enorme impatto sull'ulteriore sviluppo della musica.

VIENNA CLASSICAL SCHOOL, i classici viennesi (tedesco Wiener Klassik), una tendenza stilistica nella musica europea che segnò l'inizio dell'era classico-romantica della seconda metà del XVIII - XIX secolo. Rappresentanti - J. Haydn, W. A. Mozart, L. van Beethoven, che ha lavorato a Vienna. La scuola classica di Vienna è successivamente collegata con la scuola di Berlino, la scuola di Mannheim e anche la prima scuola viennese (G.K. Wagenseil, MG Monn, J.G. classic (vedi anche stile Gallant). Ha assorbito l'esperienza dell'opera italiana e francese del 18° secolo, il singspiel tedesco e austriaco. In tempi diversi e in varia misura, dopo aver sperimentato l'influenza di J. S. Bach e dei suoi figli, G. F. Handel, G. B. Sammartini, C. V. Gluck (che iniziò la sua riforma dell'opera a Vienna negli anni '60 del Settecento e la completò a Parigi), J. A. Benda, I. Schobert, i classici viennesi hanno riassunto tutte le precedenti esperienze dell'arte musicale e hanno formato il proprio stile, riflettendo l'ascesa della cultura tedesca e austriaca, le idee dell'Illuminismo europeo. La scuola classica di Vienna è imparentata con i classici della letteratura di Weimar (JW Goethe, F. Schiller; vedi il classicismo di Weimar), ha paralleli nella vita intellettuale dell'epoca (filosofia classica tedesca). Parzialmente coerente con il sistema stilistico del classicismo comune a tipi diversi e orientate ai canoni dei classici dell'arte antica, le realizzazioni creative della scuola classica viennese sono indipendenti dall'antichità (non sono rimasti quasi monumenti musicali) e costituiscono essi stessi l'apice del processo storico-musicale europeo.

Nelle opere dei classici viennesi è stato completato il processo di formazione della nuova musica cosiddetta autonoma europea: laica, libera da compiti applicati di servizio rituale, vita quotidiana e culto. La composizione musicale, precedentemente considerata un mestiere, è diventata un'arte alta - di per sé preziosa, indipendente da parole e immagini, scienza e religione. La musica strumentale non programmata acquisisce lo status di "linguaggio dei sentimenti" universale, consente associazioni figurative specifiche (a volte sono sollecitate dalla comunanza del lessico melodico dell'opera e delle tematiche sinfoniche), diventa oggetto di ascolto, comprensione e interpretazione ravvicinate. Cominciarono a vedervi l'identità ideale dell'etico e dell'estetico (“bello e gentile” è uno dei “luoghi comuni” nelle lettere di L. van Beethoven). La liberazione della musica da fini non artistici, l'acquisizione di nuovi significati da essa ha coinciso con l'apparizione in vita musicale Vene di concerti pubblici, stampa musicale più economica, formazione di un nuovo tipo di musicista: un artista libero, formazione di specializzazioni esecutive (in particolare, la professione di pianista). Divenne popolare "accademia" - concerti di beneficenza in abbonamento a favore dei compositori. Il fiorire della produzione musicale casalinga (solista e d'insieme) ha dato origine a una crescente domanda di musica strumentale. Un importante merito storico dei classici viennesi è la cristallizzazione finale del ciclo sonata-sinfonico in 4 parti (vedi Forme cicliche), la forma della sonata, la forma della variazione classica e i generi di sinfonia, sonata, concerto e ensemble strumentale da camera. Nelle loro partiture si è stabilizzata la composizione di una piccola orchestra sinfonica, gruppi di strumenti hanno acquisito certezza funzionale. I generi di musica applicata (divertissement, serenate, ensemble di fiati) sono serviti da laboratorio per la scrittura strumentale; grazie a loro, W.A. Mozart è diventato il pioniere della sonorità veramente orchestrale (combinando ottoni naturali con i legni, il compositore ha raggiunto la pienezza e l'uniformità del suono degli accordi in tutti i registri). Con la scrittura omofonica prevalente, gli ensemble cameristici (trio con pianoforte, quartetto d'archi, ecc.) si arricchirono di polifonia. La polifonia corale occupava tradizionalmente un posto di rilievo nei generi della musica sacra (messa, mottetto, ecc.), ma in accordo con la tendenza generale alla secolarizzazione dell'arte, fu temporaneamente soppiantata dall'omofonia di arie solistiche e d'ensemble, principalmente in lo stile del bel canto operistico italiano; la sua rinascita è associata alla Messa in do minore e al Requiem di Mozart.

L'ideale illuminante di una persona come persona libera, razionale e attiva ha influenzato il pensiero musicale, che è diventato particolarmente dinamico tra i compositori della Scuola Classica di Vienna. Chiarezza ed energia classiche, la capacità di coprire i diversi tipi di movimento musicale acquisito ritmo dell'orologio; il sistema ramificato dei tempi (i loro nomi italiani sono tracce di affetti teorici barocchi) divenne il più importante inizio semantico. L'allineamento razionale delle relazioni sonore, la centralizzazione logica del sistema di modulazione del suono basato sul temperamento, portò allo spostamento di due di tutti i modi allora conosciuti: maggiore e minore. La sintesi internazionale raggiunta dai compositori della Scuola Classica di Vienna si è resa possibile sul terreno tutto europeo della tonalità maggiore-minore: l'attuazione delle intonazioni del folclore multinazionale austriaco nei cicli strumentali di I. Haydn; lo stile di W. A. Mozart, un vero “cittadino del mondo”, che assorbì in tutti i generi (opere, sinfonie, concerti per strumenti e orchestra, ensemble per composizioni varie, sonate) le più pregevoli realizzazioni musicali delle capitali culturali del Europa del 18° secolo; una fusione di intonazione tedesco-austriaca, francese (principalmente eroica, associata all'era delle guerre napoleoniche) e slava nella musica di L. van Beethoven.

Compositori del “secondo piano” sono stilisticamente vicini alla scuola classica viennese: J. G. Albrechtsberger (era noto anche come teorico), K. Dittersdorf, gli allievi di Mozart F. K. Süsmair e I. N. Hummel, nonché J. Wölfl (autore di sinfonie , considerato il principale rivale di Beethoven a Vienna). I primi romantici (F. Schubert, F. Mendelssohn) furono direttamente influenzati dalla scuola classica viennese; la sua influenza ha influenzato il corso dell'intera storia della musica europea nel XIX secolo (principalmente nel campo della creatività sinfonica, particolarmente evidente in I. Brahms).

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