Opis obrazu Hogartha. Obrazy Williama Hogartha z opisami i tytułami
Wśród artystów angielskich pierwszej połowy XVIII wieku. Najbardziej oryginalnym dziełem był William Hogarth. W dobie, gdy mistrz zaczął tworzyć swoje dzieła, wiodącą rolę w życiu artystycznym Anglii mieli malarze zagraniczni. Wśród zamożnych kolekcjonerów dzieł sztuki szczególnie cenione były obrazy dawnych mistrzów włoskich i flamandzkich.
Dziedzictwo twórcze Hogartha jest wieloaspektowe: pisał zabawne i przejmująco satyryczne, sentymentalne sceny rodzajowe, tworzył wspaniałe intymne portrety, zwane „wywiadami”, zajmował się teoretycznymi problemami sztuk pięknych. W 1753 r. mistrz opublikował swój słynny traktat „Analiza piękna”, w którym zwrócił uwagę, że piękne obrazy z reguły zawierają strukturę wizualną jako podstawę kompozycyjną, odpowiadającą w pewnym stopniu napiętej „fali” w kształcie litery S lub linie „serpentynowe”.
Muszę powiedzieć, że William Hogarth, dobrowolnie lub nie, stał się głównym rzecznikiem idei brytyjskiego etycznego oświecenia. W końcu to jest
Angielscy oświeceni dostrzegli skuteczny środek edukacji ludzkiej moralności w satyrycznej krytyce. Specyfika narodowego charakteru Brytyjczyków wzmacniała tę cechę. Zwrócono tu szczególną uwagę na reedukację moralną ludzi w duchu cnót mieszczańskich. Nic dziwnego, że wiodącym gatunkiem literatury angielskiej stała się powieść o moralizatorskiej fabule, poświęcona życiu codziennemu i osobistemu ludzi z różnych kręgów społecznych.
William Hogarth widział szlachetny cel swojej pracy w tworzeniu dzieł sztuki, które będąc użyteczne dla kraju, pomogłyby wykorzenić wady i przekształcić każdą osobę i społeczeństwo jako całość. W 1731 roku artysta stworzył pierwszy cykl obrazów codziennych, połączonych rozwojem jednej fabuły, niczym ciąg akcji w dramacie. Było to sześć niewielkich obrazów pod ogólnym tytułem „Kariera zepsutej kobiety”, narracyjnych wizualizujących krok po kroku gorzką i budującą historię naiwnej prowincjonalnej kobiety, uwiedzionej życiem wielkiego miasta i po krótkiej „ sukces”, osiągnął skrajny stopień upadku i ubóstwa. Przekształcony przez samego autora z malarstwa w grafikę, seria w formie replikowanych rycin szybko rozprzestrzeniła się wśród różnych warstw angielskiego społeczeństwa, przynosząc mistrzowi pierwszą sławę.
W latach, gdy gazety i czasopisma w Anglii szybko rosły, Hogarth zwiększał nakład swoich obrazów, powtarzając je w rycinach, które były wyprzedawane w prenumeracie zarówno w kraju, jak i za granicą. Stosunkowo tania grawerowana seria Hogarth została zaprojektowana do pracy przede wszystkim jako środek szerokiego rozpowszechniania moralizatorskich idei. Dochody ze sprzedaży grafik były głównym źródłem utrzymania artysty.
Po malowniczych obrazach „Kariera zepsutej kobiety”, cykl prac „Kariera mota” (1735), „Cztery pory dnia” (1738), „Modne małżeństwo” (1743), „Wybory (1754), a następnie inne.Sentymentalne dzieła Williama Hogartha odznaczają się wyrazistą fabułą i umiejętnością jasnego identyfikowania kluczowych momentów narracji wizualnej. Aby uzyskać wyrazistość kompozycji swoich prac, które przedstawiają niekiedy dziesiątki postaci, Hogarth zwykle dzieli przestrzeń artystyczną każdego ze swoich obrazów na „płaszczyzny”. Dysponując głównymi bohaterami obrazy pierwszoplanowe, mistrz wypełnia resztę przestrzeni malarskiej postaciami drugoplanowymi, łącząc je w różne grupy kompozycyjne.
Najsłynniejszym ze wszystkich obrazów Hogartha był cykl „Fashionable Marriage” („Małżeństwo a „la Mode”), który nie jest bynajmniej banalną karykaturą, ale głęboko przemyślanym studium tragedii małżeństwa z rozsądku, które przedstawia artysta w pełnej dramaturgii, humoru i sarkazmu oryginalnej malarskiej grze sześciu utworów.
Pierwsze zdjęcie z serii wizualizuje proces ugody między zubożałym, ale dobrze urodzonym hrabią a bogatym kupcem o małżeństwie jego syna i córki,
_____________________________ Wykład 106. Malarstwo angielskie XVIII wieku ___________________________
którzy będąc obecni przy transakcji, są przedstawiani w nastroju bardzo obojętnym zarówno na siebie, jak i na kalkulacje rodziców. Drugi obraz przedstawia poranną scenę rodzinną tuż po ślubie. Trzeci obraz z czarnym humorem przedstawia gabinet szarlatana pełen maszyn do repozycjonowania zwichnięć, gdzie młody mąż, który zachorował na chorobę weneryczną, przyprowadził dwie swoje kochanki, aby dowiedzieć się od lekarza, skąd pochodzi jego choroba. Czwarty obraz przedstawia rozwój relacji rodzinnych po śmierci starego hrabiego - ojca bohatera obrazu. Mąż, który odziedziczył tytuł hrabiego, bawi się domowym koncertem i nie zwraca uwagi na szczere flirty młodej damy. Żona-hrabina, odwracając się od męża, zabawia się uwodzicielsko uroczą rozmową o erotycznym malowaniu z młodym zalotnikiem. Obraz piąty ukazuje kulminację moralnych prób członków młodej rodziny: hrabina w środku maskarady udaje się na randkę miłosną do oddzielnego pokoju burdelu; rogacz hrabia, pamiętając o własnym honorze, moralności przodków i moralnym obowiązku wobec rodziny, tropi żonę, aranżuje rycerski pojedynek z przeciwnikiem i zostaje śmiertelnie ranny ukłuciem miecza w klatkę piersiową. Szóste zdjęcie przedstawia samobójstwo Hrabiny.
Każdy bohater serii malarsko-seryjnej Hogartha „Modne małżeństwo”, wizualizujący określoną rolę, jest wyraźnym nosicielem istoty pewnych cnót lub wad moralnych. Jednocześnie mistrz, kierując się własną teorią, podporządkował wizerunki postaci umierającego męża, który ostatecznie ukazywał swoje wysokie walory moralne (obraz piąty), oraz umierającej żony, która wreszcie uświadomiła sobie przyczynę jej moralności nieudane życie (zdjęcie szóste), do atrakcyjnych wizualnie „falistych” linii, zgodnie z jego własną teorią. Hogarth napisał: „Staram się rozwijać swoje wątki jak dramaturg. Obraz jest dla mnie sceną, przedstawieni mężczyźni i kobiety to moi aktorzy, za pomocą pewnych ruchów i gestów grający pantomimę.
Jeśli w malarstwie francuskim sentymentalizm dzieł Greuze, Chardin, Fragonard stał się elementem artystycznych podstaw rewolucyjnego klasycyzmu dzieł Dawida, to w sztukach plastycznych malarzy angielskich „moralizujący sentymentalizm” dzieł Hogartha dał powstanie fenomenu stylu artystycznego, który można nazwać „przedromantyzmem”.
Rozkwit polityczny i gospodarczy Anglii rozpoczyna się w XVI wieku. Za panowania królowej Elżbiety Anglia jest już słusznie uważana za kochankę mórz. Nowe szlaki morskie i związany z nimi handel utworzyły w kraju silną burżuazję, aw XVII wieku w Anglii miała miejsce rewolucja burżuazyjna. W wyniku zamachu stanu z 1688 r. powstała monarchia burżuazyjno-konstytucyjna, która ograniczyła władzę króla i proklamowała zwierzchnictwo sejmowe.
W ten sposób zdobycze rewolucji burżuazyjnej dotarły do Anglii sto lat przed Francją.
Związek burżuazji ze szlachtą przyczynił się do rozkwitu angielskiej kultury i gustów estetycznych. Teraz Anglia jest słusznie uważana za pierwszy kraj w dziedzinie literatury, dramatu i teatru.
Angielskie sztuki wizualne rozwinęły się później niż inne sztuki, a proces ten był trudny. Wojny feudalne i reformacja utrudniały tworzenie własnej tradycji artystycznej. W protestanckiej Anglii prawie nie było malarstwa religijnego. W XVII wieku powoli zaczął się rozwijać gatunek portretowy, głównie miniaturowy.
Rozkwit narodowego malarstwa angielskiego zaczyna się od Williama Hogartha.
Artysta ten pomógł zbliżyć się do zaawansowanej literatury angielskiej i teatru. Hogarth najpierw uczył się u jubilera, potem zaczął uczyć się grawerowania i jako grawer rozwijał się szybciej niż malarz. W rycinach przedstawia współczesne życie i wszystkie jego negatywne strony uczynił przedmiotem satyry: rozwiązłość obyczajów, sprzedajność dworu, upadek wojska itp.
Hogarth tworzy całą serię obrazów: „Historia dziwki”, „Historia rozpustnika”, „Modne małżeństwo”. W tych cyklach artysta opowiada o losach zwykłych ludzi. Każdy z obrazów z serii jest niezależnym dziełem sztuki. Wiele obrazów sprowadziło się do nas tylko w formie rycin, ponieważ. obrazy zginęły w pożarze. Obrazy Hogartha, autentyczne zarówno w fabule, jak iw szczegółach życia codziennego, brzmiały moralizująco i pouczająco, jak niedzielne kazanie.
Hogarth zajmował się również malarstwem historycznym, tematyką religijną.
Hogarth to obrazy i ryciny rodzajowe, w których pokazywał dramat życia społecznego nieco wprost, ale bez alegorii, w przystępnej, klarownej formie.
Przez całe życie Hogarth zwracał się ku portretowi. Są to portrety grupowe, drzwi wejściowe i portrety bliskich osób.
Hogarth był jedynym artystą oświecenia angielskiego i pierwszym malarzem oświeceniowym w Europie. Jego twórczość jest mocno związana ze sztuką teatralną, pismami satyrycznymi i literaturą Oświecenia. Słusznie uważa się, że Hogarth stał się pierwszym przedstawicielem wielkiego malarstwa w Anglii.
Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy korzystający z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.
Hostowane na http://www.allbest.ru/
Ministerstwo Edukacji Ogólnej i Zawodowej
Federacja Rosyjska
Państwowy Uniwersytet Pedagogiczny w Krasnojarsku
nazwany na cześć V.P. Astafieva
Idee oświecenia w twórczości Williama Hogartha
Islentyeva V.V.
Nauczyciel:
Eberhardt M.V.
Krasnojarsk, 2012
Wstęp
muzeum oświecenia artysty w Hogarth
Williama Hogartha można słusznie nazwać jednym z twórców nowego rozkwitu malarstwa angielskiego. Ogromny wpływ na jego twórczość miały idee filozofów Oświecenia, których główną ideą było kształcenie człowieka moralnego poprzez wprowadzenie go również w twórczość artystyczną. Prace Hogartha były prawdziwym odzwierciedleniem życia różnych warstw społeczeństwa angielskiego. Obrazy i ryciny artysty odznaczały się wysokim mistrzostwem narracji dramatycznej, nowatorską oryginalnością i oryginalnością rozwiązań artystycznych. Aktywnie walczył o zapewnienie realizmu i idei obywatelstwa w sztuce. W swoim traktacie teoretycznym „Analiza piękna”. Artysta zaproponował zapisy demokratycznej estetyki realizmu. Ostro potępiał kłamliwe pochlebstwa stereotypowych, świeckich portretów, z zadowoleniem przyjął malowanie codzienne, oparte na bezpośredniej obserwacji i ujawniające istotę zjawisk życiowych.
Ważną częścią twórczego dziedzictwa Williama Hogartha jest jego praca na tematy codzienne i moralne. Każdy z jego cykli to szczegółowa, dramatyczna opowieść o ludzkich losach, jest rodzajem wyzwania rzuconego społeczeństwu, gdzie Hogarth trafnie i dobitnie pokazuje środowisko społeczne i typowe okoliczności życia Anglików.
Przedmiotem streszczenia jest studium twórczości Williama Hogartha i jego prac.
Cel: Rozpatrzenie dzieła W. Hogartha, charakteru odzwierciedlenia w nim idei edukacyjnych i na podstawie przestudiowanego materiału określenie znaczenia artysty w sztukach pięknych Anglii w XVIII wieku oraz w historia sztuki światowej w ogóle.
1. Zapoznaj się ze źródłami na ten temat, aby przestudiować dzieło Hogartha.
2. Studiowanie dzieł artysty, znajdujących się w zbiorach największych muzeów na świecie.
3. Rozważ tematykę gatunkową i cechy stylistyczne dzieł Hogartha odzwierciedlające idee Oświecenia.
Do lat 30. XVIII wieku w Anglii pojawił się oryginalny i niesamowity artysta - William Hogarth. W. Hogarth (1697-1764) urodził się w rodzinie wiejskiego nauczyciela, który przeniósł się do Londynu. Jego ojciec najpierw prowadził szkołę w swojej wiosce, potem w Londynie, później pracował jako korektor, studiował literaturę i pozostawił kilka dzieł o charakterze filozoficznym, które nie dawały mu zabezpieczenia finansowego.
Żyjąc w rodzinie, która znajdowała się w ciągłej trudnej sytuacji, krótko uczęszczał do szkoły podstawowej. Hogarth studiował następnie u srebrnego grawera Ellisa Gamble'a. W warsztacie Gamble'a młody Hogarth nauczył się grawerować herby i ozdoby na sztućcach. Ale Hogarth widział swoje powołanie w grafice. Do śmierci ojca (1718 r.) William Hogarth zdobył wystarczające umiejętności techniczne jako grawer, aby pomóc swojej rodzinie - matce i siostrom. W wieku dwudziestu trzech lat zaczął uczęszczać do szkoły artystycznej.
Ponadto Hogarth zaczął angażować się w samokształcenie. Trenował swoją pamięć wzrokową, szkicując sceny uliczne i ciekawe twarze. Rzadko odwiedzał Akademię, tylko po to, by kontynuować naukę anatomii. Studiując samodzielnie, Hogarth stopniowo rozwijał własną metodę twórczą, opartą w całości na doświadczeniach życiowych.
Pierwsza samodzielna praca Hogartha w grawerowaniu pokazuje, jak konsekwentnie realizował swoją metodę, utrwalając sceny i epizody zaczerpnięte z życia - na ulicy, w domu, na spacerze. Już w tych latach ostra krytyczność w stosunku do najróżniejszych warstw społecznych wyróżnia Hogartha.
W 1721 roku Hogarth publikuje rycinę „Bąbelki Morza Południowego” lub „Kto przewyższa kogo”, w której atakuje oszukańczą spółkę akcyjną „South Sea Company”. To grawerunek alegorii, który opowiada o mrocznych oszustwach finansowych, które doprowadziły do ruiny wielu ludzi. Artysta przedstawia alegorie „Uczciwości” i „Miłości własnej”. Tłum ludzi zmierza do domu z napisem „Loteria”, pośrodku na karuzeli krążą dyrektorzy spółki akcyjnej. Sens całej kompozycji jest jasny, patrząc na pomnik z napisem: „Ustanowiony na pamiątkę zniszczenia tego miasta przez Kompanię Mórz Południowych w 1720 roku”.
W 1721 Hogarth wydał arkusz Loterii. Państwo od 1711 roku organizuje loterie, ale nie przynosiły one korzyści szukającym szczęścia. Artysta zobrazował masową scenę gry, a nad tłumem umieścił portrety królewskie – symbol władzy, obojętnie patrzącej na to oszustwo.
W latach 20. XVIII wieku artysta stworzył ilustracje do satyrycznego poematu S. Butlera „Gudibras”, wyśmiewającego nietolerancję i ograniczoność purytanów.
W 1728 Hogarth maluje obraz oparty na operze żebraka Johna Gaya. Sztuka Gaya to zjadliwa satyra na angielskie kręgi rządowe. Przedstawiała epizody z życia złodziei, bandytów i prostytutek, wskazując na ich obyczaje i wartości moralne, nie różniące się od manier i zasad moralnych bogatych i arystokratów. Praca jest zwiastunem jego moralizatorskiej serii. W latach 1729-1730 artysta wykonał portret satyryczny „Polityk”, przedstawiający właścicielkę sklepu z koronkami. Czyta gazetę i nie zauważa, jak zapalił się jego kapelusz. Inny satyryczny obraz „Śpiąca kongregacja” (zbiór F. Cook, Anglia, 1728) przedstawia kaznodzieję i pastora z humorem.
Tak więc w pierwszym okresie swojej działalności młody Hogarth pojawia się przed nami jako osoba o wcześnie ukształtowanym światopoglądzie, jako mistrz o wielkiej determinacji twórczej. Już w młodości stawia pierwsze kroki w kierunku osiągnięcia celu swojego życia - tworzenia dzieł sztuki użytecznych dla społeczeństwa. To jest przejaw jego pragnienia idei Oświecenia. Prace z tamtego okresu pokazują, że w arkuszach na aktualne tematy Hogarth do pewnego stopnia odnalazł swoich nauczycieli, swój gatunek i nawiązał kontakt z adresowaną publicznością.
Na początku lat 30. XIX wieku William Hogarth zwrócił się, jak sam pisał, ku nowszym gatunkom, a mianowicie pisaniu i grawerowaniu na współczesne tematy moralizatorskie. „...W tych kompozycjach - pisze artysta - te wątki, które w równym stopniu bawią i rozwijają umysł, są oczywiście szczególnie przydatne i dlatego powinny być umieszczone przede wszystkim...”.
Tymi słowami – cały Hogarth. Nie myśli o opłacalności swojej sztuki, nie chce zależeć od klientów i ceni wolność artysty i osoby. Hogarth zaczyna szukać nowego tematu, nowej formy. Idzie do odkrycia, które da mu możliwość opowiedzenia światu czegoś ważnego i co będzie nierozerwalnie związane ze społecznym zadaniem sztuki – z moralnym wychowaniem widza przez artystę.
Król A.E. pisze, że w dziedzinie tworzenia obrazów „na nowoczesne tematy moralizatorskie” Hogarth był rzeczywiście pionierem w Anglii. Jego pragnienie bycia oryginalnym zostało w pełni zrealizowane. Wiedział, jak wybrać aktualną, współczesną historię i opowiedzieć ją z trzeźwą ironią i umiejętnością zawodowego dramaturga.
W 1732 Hogarth namalował serię sześciu obrazów pod ogólnym tytułem „Kariera prostytutki”, co było ważnym kamieniem milowym w jego twórczej formacji. Serial przyniósł mu sławę i ugruntował reputację „najbardziej użytecznego artysty”. Seria obrazów „Kariera prostytutki”, jak pisze Król A.E., była pierwszym manifestem w burżuazyjnej Anglii, wyrażającym w języku sztuk pięknych idee moralne, głoszone już wcześniej przez filozofię i literaturę. Dotyczyło to tych idei moralnych i tych aspektów życia, które do tej pory nie wchodziły w zakres sztuki angielskiej. Celem artysty mogła być sztuka masowa, czyli grawerowanie. Hogarth zaczął rozprowadzać tanie i przystępne ryciny ze swoich obrazów i miał szerokie grono konsumentów. Hogarth kieruje swoją serię zarówno do wysoko wykształconych ludzi, jak i do ogółu społeczeństwa. Mówi do widza prostym, zrozumiałym językiem o rzeczach, które potrafią zniewolić i uchwycić każdego.
Bohaterka Hogartha to bierna, nieśmiała dziewczyna, niezdolna do samodzielnej myśli ani odważnego czynu, który z góry przesądza o jej przyszłym losie, jej stopniowym upadku i śmierci. Wszystkie postacie są jednocześnie przedstawicielami prawdziwego londyńskiego społeczeństwa. Hogarth szczerze i trzeźwo demaskuje hipokryzję, podkreśla hipokryzję społeczeństwa, która czyni Maryję stworzeniem wciąż wyższym niż jej otoczenie. Wyśmiewa i potępia bezczynność, żądzę zysku, hipokryzję, które są dla niego obrzydliwymi wadami.
Krótko po zakończeniu tej serii Hogarth rozpoczął serię „Kariera marnotrawstwa”, która ma wyraźny satyryczny charakter. Cykl obrazów składa się z ośmiu obrazów, których akcja rozgrywa się na przestrzeni kilku lat. „Career Waste” jest budowany mniej organicznie niż poprzednie serie. Jest to seria odcinków połączonych pojawieniem się jedynej pozytywnej postaci - oszukanej dziewczyny - służącej, która próbuje uratować swojego rozwiązłego kochanka.
Jednym z najlepszych obrazów satyrycznych jest piąta scena - małżeństwo ze staruszką. Artysta ostro potępia hipokryzję obrzędu kościelnego, który uroczyście jednoczy dwóch najemników – zrujnowanego Toma Rackwella i jednookiego garbusa, z których każdy dąży do własnej korzyści. Wesele nie obiecuje zmian w losach rozrzutnika, nadal bawi się i trwoni pieniądze żony. Ostatnie dwa zdjęcia z tej serii ukazują brzydkie i okrutne obyczaje angielskich więzień i szpitali w czasach Hogartha.
W połowie lat 30. XVIII wieku powstało jedno z najpopularniejszych dzieł Hogartha, seria Cztery pory dnia. Obrazy przedstawiają zakątki Londynu o różnych porach dnia. Hogarth często przedstawiał wiele wydarzeń na tle londyńskich ulic, placów i alejek. Cała czwórka Katrina maluje różne epizody z życia Londynu i tworzy żywe i konkretne wrażenie ulubionego miasta artystki. Hogarth odsłania społeczne sprzeczności, które rozrywają życie stolicy, pokazuje wiele drobnych epizodów i buduje swoje prace na kontraście dobrze odżywionych i głodnych, pracujących i mokasynów, mądrych i nieszczęśliwych. Szczególnie wymowne w tych scenach są dzieci, raz zmanierowane, ubrane jak brzydkie krasnoludy, to łkające z gorzkiej urazy lub posłusznie znoszące swoje trudy jak dorosły. Seria ta jest doskonałym przykładem bezpośredniego wpływu sztuki Williama Hogartha na literaturę angielskiego oświecenia. Wiele postaci Williama Hogartha można znaleźć w pracach Fieldinga, Swifta, Gaya i innych angielskich pisarzy z pierwszej połowy XVIII wieku.
W pierwszej połowie lat 40. XVIII wieku Hogarth stworzył swoją najsłynniejszą serię Fashion Marriage. Cykl składa się z odrębnych wątków dramatycznych. Tytuły scen zdradzają intencje serii. Hogarth wielokrotnie nazywał siebie nie malarzem, ale „autorem” serii, chcąc przez to podkreślić wagę kryjącej się za nimi fabuły literackiej, nie bez powodu wielu współczesnych ocenia go właśnie jako autora. W obrazach z tej serii widz widzi ostrą satyrę społeczną, narażającą na ośmieszenie warstwę publiczną. Przedstawiając sceny z życia wyższych sfer, Hogarth ukazuje nie mniej brzydkich i okrutnych, strasznych i zabawnych niż sceny z życia włóczęgów, złodziei i prostytutek. Postacie, podobnie jak w poprzedniej serii, zyskują portrety. Fabuła Williama Hogartha to małżeństwo z rozsądku. To opowieść o małżeństwie zrujnowanego syna z córką zamożnego kupca, zjawisku bardzo powszechnym w Anglii w czasach Hogartha, o hulankach męża io niczym, z wyjątkiem romansu, życia żona nie wypełniona. Ta historia kończy się tragicznym rozwiązaniem – śmiercią hrabiego, zasztyletowanego przez kochanka hrabiny, który za to trafia na szubienicę i samobójstwem hrabiny.
Hogarth pokazał w tej historii zjawisko powszechne w życiu społeczeństwa angielskiego. Chciwi pieniędzy i pozycji społecznej ojcowie, przebiegli i chciwi, dla własnego zysku, zawierają sojusz między swoimi dziećmi, które są dla nich towarem. Ojciec panny młodej kupuje sobie miejsce wśród szlachty i nie boi się przepłacać. Chciwość, strach, służalczość są ucieleśnione w jego twarzy i figurze.
W serii Fashionable Marriage William Hogarth poruszył ważny problem społeczny, za który uważany był za moralistę – głosiciela idei Oświecenia. Artysta nie karze zła. Chciwy ojciec, który poświęcił swoją córkę, i stary pan, który z zyskiem poślubił syna, nie cierpią. Ich dzieci ucierpiały, stając się biernymi ofiarami bezwzględnych warunków społecznych. Losy bohaterów w wątkach Hogartha determinuje sytuacja społeczna. Pozytywni bohaterowie w jego obrazach są bardzo rzadcy, ponieważ artysta widzi najważniejsze nie w triumfującej cnocie i moralności, ale w afirmacji nieuchronności wad i nieszczęść.
W połowie lat czterdziestych XVIII wieku Hogarth podejmuje próbę głoszenia w życiu pozytywnych wartości. Rozpoczyna serię „Szczęśliwego małżeństwa”. Ale pomysł artysty nie został doprowadzony do końca. Zaraz po pracy nad „Szczęśliwym małżeństwem” artysta podejmuje kolejną próbę ukazania, obok negatywnych typów i smutnych losów pozytywnych bohaterów, ich szczęścia. Wydaje serię Diligence and Laziness, w której artysta najszerzej rozwija swój pozytywny program.
Hogarth był synem swojego wieku, bezwzględnie potępiał występki, a jednocześnie podzielał złudzenia, które głosili oświeceni pisarze, tacy jak Defoe. Takie złudzenia obejmowały ideę, że szczęście i bogactwo są nagrodą dla człowieka za cnotę i uczciwą pracę. Defoe w powieści „Robinson Crusoe” przedstawia dzielnego, wytrwałego, pracowitego bohatera, który własnymi rękami budował szczęście, pomimo perypetii losu. W serii dydaktycznej Diligence and Indolence Hogarth oddaje hołd temu ideałowi czasów.
W wielu arkuszach Hogarth celowo potępia wiele występków swoich czasów. Obraz rodzinnego szczęścia pilnego studenta, który poślubił córkę mistrza, z muzykami i widzami tłoczącymi się pod oknami, który przyszedł rano po ślubie, by powitać sługę losu, dowcipnie wyśmiewa dobro filisterskiego cnotliwego ucznia. A jedenasty arkusz, przedstawiający podekscytowany tłum zgromadzony na egzekucji, jakby dla rozrywki, wydaje się gorzką kpiną z prawa, która zamienia egzekucje w spektakle.
Dwanaście arkuszy „Pracowitość i lenistwo” – naprawdę „moralizujący” plan cyklu Hogartha. Wyraźnie pokazuje, co artysta uważał za „złe”, a co za „dobre”. William Hogarth zademonstrował dwie drogi – drogę do zaszczytów i bogactwa oraz drogę prowadzącą do śmierci. Charakter dzieła podkreślają także cytaty z Pisma Świętego.
Na rycinach „Gin Street” i „Beer Street” artysta zwraca się do ludzi. Tym razem Hogarth działał jako osoba publiczna walcząca z pijaństwem, które było prawdziwą plagą Anglii jego czasów. To zło społeczne nasilało się wraz ze wzrostem biedy i chorób wśród „niższych” klas. Oczywiście przyczyną ubóstwa i śmiertelności biednej populacji Londynu nie było wyłącznie pijaństwo, ale Hogarth, podobnie jak inne zaawansowane umysły tamtych czasów, nie zdawał sobie sprawy, jakie jest źródło zła. Dlatego artysta, wraz z innymi angielskimi oświeceniowcami, skierował całą siłę swojej krytyki nie na fundamenty porządku społecznego, a tylko na jedno z towarzyszących im zjawisk. Ryciny „Gin Street” i „Beer Street” spotkały się z natychmiastowym odzewem, aw 1751 r. uchwalono w parlamencie ustawę zakazującą nielegalnej sprzedaży ginu. Jak pisze William Hogarth, w arkuszu „Uliczny gin” przedstawiono konsekwencje spożycia tego napoju – „…bezczynność, bieda, bieda i rozpacz, prowadzące do szaleństwa i śmierci”.
Kolejną serię o charakterze moralistycznym Hogarth nazwał „Cztery stopnie okrucieństwa”. Przedstawia drogę życiową człowieka, który jako dziecko torturuje koty i psy, a potem konie i ostatecznie staje się mordercą. Zwłoki straconego przestępcy są legalnie przekazywane lekarzom, którzy rozczłonkują je na kawałki.
Ostatnia znacząca seria obrazów Hogartha – „Wybory do Parlamentu” (ok. 1754) to twarz systemu wyborczego. Cykl otwiera obraz bankietu przedwyborczego, po czym pokazuje, jak walczące partie, nie lekceważąc żadnych środków, rozwijają niepokój w prowincjonalnym miasteczku, jednym z tzw. „zgniłych miejsc”. Dalej artysta przedstawia zbiór głosów, gdzie przynoszą głosowanie i przynoszą błaganych i umierających. Cykl kończy triumfalny pochód kandydata – zwycięzcy, niesiony ulicami w fotelu. Pomiędzy zwolennikami a przeciwnikami walka trwa, pięści błyskają, a pozycja bohatera wydarzeń okazuje się bardzo niepewna. Cykl tematyczny składa się z czterech obrazów, w których Hogarth wykazał się talentem i nabytą przez lata wolnością twórczą. Te zdjęcia są satyrą na święte wybory do parlamentu burżuazyjnej Anglii. W serii „Wybory do parlamentu” Hogarth z okrutną bezwzględnością wyśmiewa na wskroś zgniłą instytucję, przekupstwo i oszustwo posłów, dając tym samym ocenę całego systemu politycznego Anglii w XVIII wieku.
Hogarth był bez wątpienia jedynym artystą, którego sztuka odegrała ważną rolę w powstaniu angielskiego oświecenia. Był jedynym znaczącym malarzem oświeceniowym w Anglii i pierwszym w Europie. Podnosząc głębokie problemy moralne i społeczne, po raz pierwszy uczynił konkretną, współczesną rzeczywistość przedmiotem artystycznych poszukiwań i pokazał ją nie jako fabułę zabawnej opowieści, nie jako wzór subtelnych obserwacji malarskich, ale jako część wielki świat, z jego wiecznymi, tragicznymi problemami, skierowany do pewnych ludzi z pewnej epoki. Jednocześnie nadał swojemu obrazowi emocjonalność, osiągnął taką wirtuozowską ekspresję pędzla, takie napięcie całościowego efektu kolorystycznego, a czasem tak subtelne zespolenie rzeczywistości i fantazji, że wiele jego prac zasługiwało na powszechne uznanie.
Hogarth pozostawił kilkaset obrazów i rysunków. Wśród nich główne miejsce zajmują obrazy olejne. Tylko niewielka część jego prac przyniosła Hogarthowi sławę - seriale satyryczne i sceny z życia codziennego, znane zarówno publiczności, jak i specjalistom niemal wyłącznie z rycin. Hogarth już we wczesnych latach pojawia się przed nami jako osoba o wcześnie ukształtowanym światopoglądzie, jako mistrz wielkiej determinacji twórczej. Dąży do tworzenia dzieł użytecznych dla społeczeństwa. Hogarth traktował wydarzenia życiowe jako materiał, interpretował je satyrycznie, oceniając je i potępiając palące problemy naszych czasów.
William Hogarth wyrażał idee Oświecenia językiem sztuk pięknych, a jego sztuka czasami wyrastała na ziemi literackiej. Serie „Kariera prostytutki” i „Kariera marnotrawnego” są doskonałym przykładem zbieżności sztuki Hogartha z literaturą oświeceniową. Należy zauważyć, że w jego osobie malarstwo angielskie zbliżyło się nie tylko do zaawansowanej literatury angielskiej, ale także do teatru. W pierwszej połowie lat 40. artysta stworzył swój najsłynniejszy cykl Fashion Marriage. Przedstawiając sceny z życia wyższych sfer, Hogarth ponownie używa swojej broni – ostrej satyry społecznej. W cyklu Fashionable Marriage artystka pokazuje charakterystyczne dla ówczesnej Anglii zjawisko - małżeństwo z rozsądku. Potępia chciwość, chciwość, żądzę zysku, zepsucie ludzi, beznadziejność i bezwzględność fundamentów społecznych, nieuchronność przywar i nieszczęść.
Hogarth rozwija swój pozytywny program w cyklu Pracowitość i lenistwo, który w zamierzeniu artysty miał służyć jako pouczenie dla ludzi pracy. Cykl ten poświęcony jest refleksji nad życiem pilnego ucznia i ucznia leniwego.
„Gin Street”, „Beer Street” i „Cztery stopnie przemocy” Hogartha to serie moralizatorskiego charakteru, potępiające pijaństwo, biedę, przemoc i okrucieństwo, które rozkwitają na ulicach angielskich miast.
Ostatni odcinek Hogartha, Wybory do parlamentu, z okrutną bezwzględnością wyśmiewa całkowicie zgniłą instytucję, przekupstwo, przekupstwo i oszustwo posłów. Serial jest satyrą na święte wybory dla burżuazyjnej Anglii.
Swoim cyklem kronik Hogarth utorował drogę karykaturze codziennej i politycznej, ale świat w jego obrazach nie traci zmysłowego uroku, jego obrazy są żywe, czasem prawdziwe. Hogarth był w stanie pokazać dramaty społeczne epoki bezpośrednio i bezpośrednio, bez uciekania się do alegorii.
Artysta nie miał uczniów i bliskich naśladowców, a młodsi współcześni nie poszli jego drogą. A jednak jego sztuka budziła wśród artystów ducha kontrowersji. Współcześni, koledzy, przeciwnicy czy wrogowie artysty - wszyscy działali pod wpływem idei i obrazów Hogartha, naśladując ich lub polemizując z nimi.
Serial Hogartha stał się szeroko znany za jego życia, ale często publiczność podziwiała śmieszność fabuły, komiczny wizerunek sławnych ludzi, nie zauważając głębokiego satyrycznego sensu.
O wysokich osiągnięciach twórczości Hogartha po raz pierwszy wspomnieli znani krytycy Charles Lam w artykule „O geniuszu i charakterze Hogartha” oraz W. Hazlitt. Na początku XIX wieku Hogarth nie znalazł w swojej ojczyźnie godnej oceny. Na przełomie XIX i XX wieku rozpoczęła się ponowna ocena twórczości artysty, a jego grawerowane arkusze znalazły się w centrum uwagi.
Jego praca wybiegała daleko w przyszłość, w której znalazł należne mu miejsce. Demokratyczne, głęboko wnikliwe dzieła Hogartha, pełne bezlitosnej krytyki, są słusznie włączone do skarbca światowej kultury Oświecenia.
Bibliografia
1. Król A.E. Malarstwo angielskie XVI-XIX wieku. w Ermitażu / A.E. Czołgać się. - L.: 1971
2. Niemiecki M.Yu. William Hogarth i jego czasy / M.Yu. German - L .: 1977
3. Nekrasova E.A. William Hogarth / E.A. Niekrasow. - M.: 1933
4. Hogarth W. Analiza piękna / W. Hogarth. - Petersburg: Wydawnictwo „Sztuka”, - 1958
5. Ilyina TV Historia sztuki. Sztuka zachodnioeuropejska / TV Iljina. - M.: Wydawnictwo Wyższej Szkoły, - 2000r. - 368 s.
Hostowane na Allbest.ru
...Podobne dokumenty
Idee i zasady Oświecenia. Historia przenikania nurtu kulturowego w Rosji za panowania Katarzyny II. Zapoznanie się z twórczością literacką najsłynniejszych przedstawicieli epoki rozumu - Radishcheva, Novikova, Voltaire'a i Goethego.
praca semestralna, dodano 1.12.2011
Pisarze D. Defoe, J. Swift, Beaumarchais, Schiller i Goethe jako przedstawiciele Oświecenia. Krótka fabuła i elementy satyry w trylogii D. Swifta „Podróże Guliwera”. Życie codzienne w obrazach artystów F. Bouchera, A. Watteau, W. Hogartha i Chardina.
prezentacja, dodana 27.12.2011
Historia kolekcjonerstwa muzealnego. Rynek sztuki jako system towarowego obiegu dzieł sztuki. Najbardziej niezwykłe kolekcje muzealne na świecie. Kryteria oceny dzieł sztuki. Udział muzeów w aukcjach. Antyki jako prawdziwa starożytność.
praca semestralna, dodana 06.06.2019
Zapoznanie się z dziedzictwem kulturowym XVIII wieku. Uwzględnienie głównych wartości Oświecenia. Cechy Oświecenia w Europie. Cechy stylowe i gatunkowe sztuki. Wiek wielkich odkryć i wielkich złudzeń; kult natury.
praca semestralna, dodano 08.09.2014
William Morris: etapy stania się mistrzem. Od narodzin do śmierci: twórczy ideał artysty. Malarz i rzemieślnik: tworzenie korporacji. Główne założenia teorii syntezy sztuk. Organizacja środowiska podmiotowego w teorii Williama Morrisa.
praca semestralna, dodano 24.05.2015 r.
Cechą charakterystyczną sztuki Oświecenia, która przesiąknięta jest ideami wielkości Rozumu, poszukiwania Wolności, Szczęścia i stawia sobie za zadanie urzeczywistnienie tych idei, rozpalenie ich, przekonywanie. Cechy nowego kierunku sztuki - rokoko.
streszczenie, dodane 28.06.2010
Cechy charakterystyczne Oświecenia, charakterystyczne cechy jego rozwoju w Anglii, Francji i Niemczech. Myśl filozoficzna Oświecenia. Stylowe i gatunkowe cechy architektury, malarstwa, muzyki, literatury danego okresu, jej najjaśniejszych przedstawicieli.
prace kontrolne, dodano 11.06.2009
Krótki zarys życia, etapy rozwoju osobistego i twórczego W. Van Gogha jako holenderskiego malarza, rysownika, rytownika i litografa, jednego z największych przedstawicieli postimpresjonizmu. Analiza najsłynniejszych dzieł tego autora.
prezentacja, dodano 25.04.2016
Kultura europejska czasów nowożytnych, jej cechy: humanizm i europocentryzm. Filozoficzne i estetyczne cechy rozwoju kulturowego Oświecenia. Idee oświeceniowe i utopie społeczne. Naukowe koncepcje kulturowe Oświecenia.
test, dodano 24.12.2013
Wiek Oświecenia i jego postępująca rola w estetycznym rozwoju społeczeństwa. Estetyka w różnych formach Oświecenia. Wiek Oświecenia jest jednym z najjaśniejszych w rozwoju kultury duchowej w Europie. Z renesansem związana była wieloma wątkami.
William Hogarth urodził się 10 listopada 1697 roku w samym centrum Londynu. Jego ojciec, Richard Hogarth, nauczyciel i pisarz, był człowiekiem z dziwactwami. Wyprodukował kilka podręczników, ale nikt ich nie kupił. Wtedy Richard zaczął szukać nowych sposobów zarabiania na życie. Najbardziej godne uwagi było otwarcie kawiarni literackiej, które również zakończyło się niepowodzeniem. A w 1708 roku „przedsiębiorca” został uwięziony w słynnej więziennej flocie dłużników.
Richard został zwolniony cztery lata później. Zajął się korepetycjami, ale nie było mu już pisane uciec od biedy. Anne Hogarth, matka przyszłego artysty, próbowała sprzedawać leki. Sześcioro jej dzieci zmarło przed osiągnięciem wieku dziesięciu lat. William wyróżniał się dobrym zdrowiem, więc znalazł się wśród trzech ocalałych. Oczywiście głodne dzieciństwo nie mogło nie wpłynąć na ukształtowanie się osobowości Hogartha, upartej, celowej osobowości.
Kiedy nadszedł czas, William został wysłany do szkoły, gdzie wykazał się uzdolnieniem do malarstwa i komedii. Dzięki naturalnemu darowi naśladowania i parodii zyskał popularność wśród kolegów z klasy. Jeśli chodzi o jego studia, najbardziej niezwykłą rzeczą w pracy Hogartha były zdobiące je winiety, a nie źle wykonane zadania. Ale to właśnie te winiety zadecydowały o dalszych losach Hogartha.
Wcześnie opuścił szkołę i został uczniem srebrnego grawera. Młody człowiek całymi dniami rysował na naczyniach czyjeś herby czy kwiatowe ozdoby, co wydawało mu się mało kreatywne.
Studia zakończył się tym, że w kwietniu 1720 r. otworzył w domu swojej matki własną pracownię grawerską.
Ten decydujący krok pozwolił Hogarthowi spróbować swoich sił w ilustracji książkowej. Od samego początku drogi twórczej Hogartha przejawiało się jego upodobanie do satyry, karykatury i scen rodzajowych. Dwie pierwsze niezależne ryciny artysty, datowane na 1721 r., dotyczą aktualnych tematów: skandalu na giełdzie przedsiębiorstwa South Seas i skandalu związanego z loteriami.
W tym czasie Hogarth nie zamierzał zajmować się wyłącznie grawerem, marzył o zostaniu uznanym malarzem. W 1724 roku młodzieniec zaczął szukać nauczyciela - i znalazł go. Sir James Thornhill (ok. 1675-1734) zgodził się przyjąć go na praktykanta. Thornhill miał dobrą karierę. Wygrał konkurs na prestiżowe zlecenie - obraz katedry św. Pawła, za stworzenie tych fresków jako pierwszy z angielskich artystów otrzymał tytuł szlachecki i otrzymał tytuł szlachecki, a król Jerzy I oficjalnie mianował go malarzem historycznym. Ostatecznie Thornhill został wybrany na posła. Tak więc w obliczu nauczyciela Hogarth widział ideał, do którego sam z pasją dążył.
Hogarth żałował, że ślub będzie skromny, bo nie zdołał jeszcze zdobyć uznania jako artysta, więc bał się, że Thornhill będzie podejrzewał w jego małżeństwie interes własny, uznając, że chce za pomocą małżeństwo i zrobić karierę. Jednak pomimo obaw Hogartha jego życie rodzinne rozwijało się szczęśliwie.
Po zostaniu uczniem Thornhill, Hogarth odważył się spróbować swoich sił w malarstwie, które zawsze uważał za gatunek wyższy niż grawerowanie. Zainteresował się portretem, a zwłaszcza portretem rodzajowym, będącym skrzyżowaniem portretu nieformalnego ze sceną rodzajową.
Po osiągnięciu pewnego uznania artysta bardzo szybko opuścił portret, aby całkowicie poświęcić się złożonym kompozycjom i tematom, które go ekscytują. Hogarth podjął się pisania scen teatralnych, aw 1730 ukończył słynny cykl „Kariera prostytutki”.
Cykl ten pojawił się niemal przypadkiem po wykonaniu przez artystkę szkicu przedstawiającego rozwiązłą kobietę i jej służących. Przyjaciele docenili rysunek i przekonali Hogartha do kontynuowania tematu, który wkrótce rozwinął w sześciu obrazach, które natychmiast przyciągnęły uwagę publiczności. Rozpoczął się prawdziwy boom - londyńskie wyższe sfery rzuciły się do kupowania rycin wykonanych z obrazów. Więc Hogarth obudził się sławny.
„Kariera prostytutki” przyniosła mu dużo pieniędzy i, według współczesnych, aprobatę i przebaczenie Thornhilla. W 1731 Hogarthowie przenieśli się do domu Thornhilla. Gdy trzy lata później zmarł słynny artysta, zięć został wymieniony w testamencie jako jeden ze spadkobierców.
Śmierć nauczyciela zdenerwowała ucznia, ale otworzyła przed nim nowe możliwości. Faktem jest, że Thornhill nie pozostawił po sobie następcy zdolnego do kierowania angielską szkołą malarstwa historycznego, a Hogarth postanowił zająć to miejsce. Słysząc, że rząd zamierza wysłać artystę z Włoch, aby napisał freski w szpitalu św. Bartłomieja, Hogarth zaproponował wykonanie tej pracy za darmo - i oczywiście otrzymał zamówienie. Gotowe freski zostały przyjęte z wdzięcznością przez komisję, ale nie zaproponowano mu nowych zamówień.
Po porażce w malarstwie historycznym artysta ponownie zwrócił się ku scenom rodzajowym. Sukces Kariera prostytutki zainspirował go do stworzenia nowych serii, z których najsłynniejsze to Kariera Mota i Modne małżeństwo. Tak jak poprzednio, obrazy były szeroko dostępne w formie odbitek i sprzedawały się bardzo dobrze. To skłoniło Hogartha do zastanowienia się nad prawami autorskimi artystów i poruszenia kwestii zaprzestania wypuszczania podróbek. Ustawa chroniąca prawa autorskie artystów została uchwalona przez Sejm w 1735 roku. Nazywano go Ustawą Hogartha, a autorzy obrazów otrzymali możliwość korzystania z wyłącznych praw do swoich produktów przez 14 lat.
Nawiedzany wspomnieniami z biednego dzieciństwa Hogarth wykorzystywał każdą okazję do zarabiania pieniędzy. Jednym z jego wynalazków były loterie i aukcje. Na przykład jego grawerunek „Wycieczka do Finchley” można było kupić za siedem szylingów i sześć pensów, jednak płacąc dodatkowo trzy szylingi, można było wziąć udział w loterii, której zwycięzca otrzymał oryginał.
W 1751 roku Hogarth wpadł na pomysł sprzedaży płócien z cyklu Fashionable Marriage na aukcji zamkniętej. Każdy mógł napisać kwotę, którą zaoferował za płótno, po czym notatka została zapieczętowana i przechowywana w zamkniętej szafce do dnia ogłoszenia wyników. Zwycięzcą został ten, któremu udało się zaoferować największą kwotę. Przebieg tej aukcji został ogłoszony w prasie, artysta przewidział, że każdy z obrazów z serii powinien kosztować około 600 funtów. Wyobraź sobie jego rozczarowanie, gdy zwycięzcą został mężczyzna, który za całą serię zaoferował 120 funtów, czyli 20 funtów za obraz! Wydarzenie to po raz kolejny pokazało, że publiczność wysoko ceniła Hogartha jako autora rycin, ale w ogóle nie akceptowała jego malarstwa.
Nie chcąc się poddawać i ponownie próbując wzbudzić zainteresowanie sobą, artysta w 1753 roku opublikował traktat „Analiza piękna”. Tutaj przeciwstawił się akademickim teoriom piękna, twierdząc, że piękno to wszystko, co „miło i bawi oko”.
Hogarth nie porzucił swoich prób ustanowienia siebie jako malarza historycznego. Ostatnim było duże dzieło przedstawiające tragiczną bohaterkę Zygmunta. Dowiedziawszy się o zdradzie ukochanej, dziewczyna popełniła samobójstwo, zażywając truciznę. Hogarth dołożył wszelkich starań, aby płótno było dopracowane do perfekcji, ale niestety wszystkie jego impulsy zakończyły się niepowodzeniem: klientka, która zamówiła obraz, odmówiła zapłaty za niego umownych 400 gwinei, w wyniku czego pozostała w pracowni artysty.
Hogarth zmarł niespodziewanie na tętniaka 25 października 1764 r. i został pochowany w Chiswick. Na prośbę wdowy aktor David Garrick skomponował epitafium, a na grobie artysty wyryto następujące linie:
Żegnaj wielki artysta ludzkości, który osiągnął wyżyny mistrzostwa, Twórca nieśmiertelnych obrazów.
Dzieło angielskiego artysty Williama Hogartha
Twórczość Hogartha jest wieloaspektowa, znany jest zarówno jako malarz, jak i grafik. Znany jest oczywiście przede wszystkim jako autor satyrycznych scen rodzajowych, ale malował też portrety, zarówno tradycyjne, jak i nietypowe jak na tamte czasy (Portret służącej, Sprzedawca krewetek), gdzie, jak w swoim niezwykle rozwiązanym autoportrecie (w do którego włączył swojego ukochanego psa Trumpa) pokazał swoją swobodną technikę, mistrzostwo koloru i wyobraźnię. W większości jego portretów nie można nazwać ceremonialnymi: nawet jeśli pozują mu sławni ludzie, na przykład słynny aktor Garrick (Portret Garricka z żoną), na zdjęciu nie ma absolutnie żadnego patosu, jest to zabawna scena z życia szczęśliwego małżeństwa.
Portret służących Hogarth i Trump Portret aktora Garricka z żoną
Hogarth skłaniał się ku teatrowi – w jego cyklu widać wyraźny związek z literaturą i teatrem.
Jego cykle obrazów to rodzaj spektakli teatralnych, w których istnieje wyraźny podział na plany sceniczne, przejrzystość kompozycji, role bohaterów. Hogarth uwielbia opowiadać o losach bohatera. Najczęściej jest to opowieść o występku i degradacji. Na przykład jego pierwsza seria, która przyniosła mu sukces, napisana w 1731 roku i powtórzona przez niego w rycinach rok później - Kariera skorumpowanej kobiety. To moralizująca opowieść o młodej prowincjonalnej kobiecie, która wpadła w ręce prokuratury w Londynie, jej upadku, dzikim życiu i żałosnej śmierci. Kolejne serie Hogarth również powtarzał w rycinach, często sam iw większości utrzymywał się z wpływów z ich sprzedaży.
kariera prostytutki kariera prostytutki
Hogarth stworzył także inne cykle i indywidualne rysunki satyryczne: Kariera Mota, Śpiący parafianie. Bardzo ciekawa jest mini-seria, składająca się z dwóch rycin - Beer Street i Vodochny Lane.
Jeśli je porównasz, stanie się oczywiste, który napój wybrał Hogarth. Na ulicy Piwnej zdrowi, silni ludzie budują nowe domy, a jedynym budynkiem, który podupada, jest sklep lichwiarza (jego szyld to trzy złote kule), bo bez niego mieszkańcy tej ulicy są dobrze zabezpieczeni. Na Vodochnym Lane wszystko jest na odwrót: lichwiarz ma się dobrze, ustawia się do niego kolejka, wokół dzieją się przeróżne sprośności i okropności - pijana matka upuszcza dziecko i nie zauważa, że gryzie ją pies ; domy są niszczone, ludzie walczą i zabijają się nawzajem i tak dalej.
Ostatnia, bardzo aktualna seria, wykonana przez Hogartha w 1754 roku, nosi nazwę Wybory Parlamentarne. Tutaj widzimy wszystkie możliwe i niemożliwe nadużycia podczas wyborów: przekupywanie wyborców, głupie zasady głosowania itp. Triumfalny pochód zwycięzców to prawdziwa bachanalia.
(1764-10-26 ) (66 lat)Królestwo Wielkiej Brytanii Królestwo Wielkiej Brytanii
Biografia
wczesne lata
William Hogarth urodził się w jednej z londyńskich dzielnic Bartholomew Close (ang. Bartholomew Close) w rodzinie biednego nauczyciela łaciny Richarda Hogartha i Anny Gibbons i był pierwszym żyjącym dzieckiem małżonków. Ubóstwo zmusiło ojca Hogartha do korekty tekstów łacińskich dla wydawców.
William od wczesnego dzieciństwa wykazywał niezwykłą umiejętność rysowania, był bardzo spostrzegawczy i miał doskonałą pamięć do szczegółów. W szkole podstawowej uczył się niechętnie, spędzając głównie czas na rysowaniu. Jako dziecko William był zmuszony sprzedawać środki ludowe przygotowywane przez matkę, ponieważ pomysł ojca, aby założyć kawiarnię, w której goście mogliby porozumiewać się wyłącznie po łacinie, nie powiódł się. Mój ojciec wylądował w londyńskim więzieniu floty na pięć lat. Dlatego Hogarth mógł rozpocząć studia znacznie później niż jego rówieśnicy.
Edukacja i wczesna kreatywność
W 1713 roku Hogarth, nie ukończywszy szkoły podstawowej, został uczniem srebrnego grawera Ellisa Gamble'a, gdzie zdobył umiejętności grawerskie, metalurgiczne i zapoznał się ze stylem rokoko. W 1718 zmarł ojciec Wilhelma, który jako najstarsze dziecko w rodzinie zmuszony był do utrzymania matki i dwóch sióstr, przyjmując drobne zamówienia. Wykonywał wizytówki handlowe, herby i inne drobne przedmioty. Taka praca nie sprawiała Hogarthowi przyjemności, uważał ją za głupią i nudną, bo miał ochotę na sztukę wysoką. Przede wszystkim interesował się grafiką. Dlatego wkrótce zaczął pobierać lekcje malarstwa w jednej z prywatnych akademii sztuki w Londynie, założonej przez Lewisa Ceroniego i Johna Vanderbanka. Hogarth zrobił też dużo samokształcenia.
 |
 |
 |
„Maskarady i opery” |
„Bezstronne spojrzenie na |
W 1720 otworzył własny mały warsztat grawerski. Jego pierwszymi samodzielnymi pracami były satyry graficzne na temat upadku akcji South Sea Company (The South Sea Scheme, ok. 1721), satyry na maskarady i przedstawienia operowe (Maskarady i opery, 1724) oraz na życie teatralne Londynu ( Sprawiedliwy widok sceny brytyjskiej, 1724).
Hogarth porzucił akademię i od 1724 zaczął uczęszczać do szkoły malarstwa i rysunku, mieszczącej się w domu nadwornego malarza Jamesa Thornhilla, słynącego z obrazów w londyńskiej katedrze św. Pawła. W -1730 Hogarth opanował sztukę ilustracji książkowej. W 1726 ilustruje słynny antypurytański poemat przygodowy Samuela Butlera Hadibras. Pierwszy obraz Hogartha pojawił się w 1728 roku, był płótnem na wątku popularnej wówczas sztuki Johna Gaya The Beggar's Opera.
Małżeństwo
W 1724 roku Hogarth poznał 15-letnią córkę Thornhilla, Jane. Pięć lat później, nie mając nadziei na uzyskanie zgody ojca Jane na małżeństwo, Hogarth i jego ukochana pobrali się potajemnie w starym kościele Paddington (23 marca 1729). Hogarthowi udało się pogodzić z teściem dopiero po osiągnięciu materialnego dobrobytu i uznania jako artysta.
Według własnych wspomnień Hogartha: „Później wyszłam za mąż i zaczęłam malować małe obrazy salonowe o wysokości od 12 do 15 cali. Ponieważ były nowe, przez kilka lat odnosiły sukcesy i dobrze się sprzedawały”.
Pod koniec lat 20. XVIII wieku Hogarth namalował szereg portretów grupowych angielskich rodzin, tak zwanych „portretów konwersacyjnych” (angielskie fragmenty rozmów). Należą do nich A Musical Party (A Musical Party, 1730, Fitzwilliam Museum, Cambridge), Zgromadzenie w Wanstead House (1729-31, Philadelphia Museum of Art), The Wollaston Family, 1730, kolekcja prywatna) i The Fountaine Family (1730- 32, Filadelfijskie Muzeum Sztuki).
Powiązane wideo
kreacja
W latach 1730-1731 Hogarth ukończył serię sześciu obrazów, zwanych „”. Ryciny z tej serii, wydrukowane w 1732 roku, cieszyły się dużym powodzeniem. Nie wiadomo, czy jego model, namalowany na serii obrazów, był fikcyjny, czy prawdziwy. Na tych zdjęciach widzimy jasno umalowaną młodą kobietę. Przez wybielanie, rumieniec i szminkę prześwituje tragiczny los osoby zmuszonej do pracy w tak niemożliwym do przedstawienia zawodzie. W tym czasie gość w burdelu mógł zdobyć każdą kobietę, płacąc zaledwie szylinga.
„Wybory do Parlamentu” (1753-54) |
 |
 |
 |
„Bankiet wyborczy” |
"Podniecenie" |
„Triumf wybranych do parlamentu” |
Kolejna seria rycin – „Kariera Mota” – ukazała się w 1735 r., aw 1745 r. pojawił się słynny cykl „Modne małżeństwo”. Nastąpiły inne serie, wśród nich pracowitość i lenistwo (1747), cztery etapy okrucieństwa (1751) i elekcje (4 ryciny, 1755-1758). Hogarth wykonał również wiele indywidualnych rycin, kilka portretów oraz szereg obrazów historycznych. W 1753 r. ukazał się jego traktat „Analiza piękna”. W 1757 Jerzy II mianował Hogartha głównym malarzem; w tym charakterze zastąpił Jamesa Thornhilla. W 1764 roku artysta wykonał swoją ostatnią rycinę Koniec, czyli Otchłań. W połowie lat 50. XVIII wieku prawie każdy angielski sklep czy księgarnia mógł kupić ryciny Williama Hogartha. Lepiej niż jacykolwiek biografowie, opowiedział o nim autoportret, którego kompozycja jest niezwykła - to „obraz w obrazie”.
Przedmiot
Hogarth obserwował życie ludzi o różnym bogactwie materialnym, należących do wszystkich środowisk; był nie tylko utalentowanym portrecistą, ale także moralistą i satyrykiem. W portretach artysta był obiektywny i bezpośredni, co wyraźnie widać w „Portret kapitana T. Korema” (1740, Londyn, sierociniec Korem) i „Portret Simona Frasera, Lorda Loveta” (1746, Londyn, National Portrait Gallery ). W sztuce Hogartha niewątpliwie ważne miejsce zajmuje humor. Tak więc w dwóch słynnych rycinach z 1751 roku zestawił straszliwe konsekwencje, które czekają tych, którzy nadużywają taniego ginu Gin Lane, z dobrobytem i dobrobytem tych, którzy wolą angielską Beer Street. Satyryczne przedstawienie życia epoki, zwłaszcza w cyklach „Modne małżeństwo” i „Wybory”, stawia go na równi z wielkimi powieściopisarzami satyrycznymi XVIII wieku.
modne małżeństwo
W latach 1743-1745 William Hogarth namalował sześć obrazów z cyklu Fashionable Marriage (National Gallery w Londynie), dowcipnych krytyków XVIII-wiecznych wyższych sfer. To ostrzeżenie pokazujące katastrofalne konsekwencje nierozważnego małżeństwa z pozoru.
Siedem z ośmiu rycin z serii Kariera Mota, dwieście lat po ich powstaniu, stało się podstawą fabuły baletu szkockiego piosenkarza, aktora i kompozytora Gavina Gordona. Przedstawienie zrealizowała w 1935 roku choreografka Ninette de Valois. W 1951 Igor Strawiński napisał operę The Rake's Progress pod wpływem twórczości Hogartha. W 1946 roku ukazał się amerykański film fabularny Bedlam (w reżyserii Marka Robsona), którego kreatywny zespół inspirował się obrazami i rycinami Hogartha. W 2003 roku powstał spektakl estradowy „The Rake's Progress”, w którym siedemnastu aktorów i aktorek zaprezentowało swoją wersję intensywnego studium akwafort artysty.